🎶 Одна вечеринка — и песня на десятилетия!
Германия, 1978 год.
После музыкальной церемонии награждения артисты собрались на вечеринку. На сцене играл небольшой оркестр, а среди гостей оказались две рок-звезды — Сьюзи Кватро и Крис Норман, солист британской группы Smokie («Смоки»).
В какой-то момент Сьюзи захотелось спеть.
Она схватила Криса за руку и вытащила его на сцену!
Их импровизированное выступление услышал продюсер Майк Чепмен.
Ему настолько понравилось сочетание двух голосов, что идея дуэта возникла прямо на месте.
В ту же ночь появилась песня «Stumblin’ In»!
Её авторами стали Майк Чепмен и Никки Чинн — знаменитый творческий тандем, уже написавший немало хитов для обоих исполнителей.
На следующий день музыканты записали пробную версию песни.
А во время студийной записи Сьюзи и Крис пели лицом друг к другу, словно вели настоящий разговор.
Получилось удивительное сочетание!
Сьюзи, которую публика привыкла видеть в кожаном комбинезоне с бас-гитарой, неожиданно раскрылась с романтической стороны.
А мягкий, чуть хрипловатый голос Криса Нормана прекрасно дополнил её вокал.
Сингл вышел в 1978 году и вскоре стал международным хитом.
В США песня поднялась до 4-го места в хит-параде ста самых популярных песен, а вот на родине исполнителей, в Великобритании, добралась лишь до 41-й строчки!
О чём же «Stumblin’ In»?
Дословно название можно передать как «Спотыкаясь», но по смыслу речь о двух людях, которые неуверенно, словно спотыкаясь, вступают в любовь.
Они ошибаются, сомневаются, но всё равно тянутся друг к другу.
Песня стала одной из самых любимых романтических композиций конца 1970-х.
🎧 Сегодня слушаем
Крис Норман и Сьюзи Кватро
«Stumblin’ In»
(«Спотыкаясь»).
🍂 Осень, которая умеет веселиться!
Когда мы думаем об осени, чаще всего представляем золотые листья, дожди и лёгкую грусть…
А вот Антонио Вивальди услышал её совершенно иначе!
В его знаменитом цикле «Времена года» осень — это праздник урожая, весёлые танцы, отдых после трудов и охота.
Но сначала давайте познакомимся с человеком, который сумел превратить картины природы в музыку.
Антонио Вивальди родился в Венеции в 1678 году. Его отец был скрипачом, и именно он стал первым учителем будущего композитора.
Вивальди принял духовный сан, а из-за рыжих волос получил необычное прозвище — «Рыжий священник» (Il Prete Rosso).
Многие годы он преподавал музыку в венецианском приюте Оспедале делла Пьета, где жили и воспитывались девочки.
Под его руководством воспитанницы стали великолепными музыкантами, а концерты их оркестра привлекали слушателей со всей Европы.
Вивальди сочинил сотни концертов, оперы и духовную музыку.
Самым известным его творением стали «Времена года» — четыре скрипичных концерта, каждый из которых изображает определённое время года.
В 1725 году они были опубликованы в Амстердаме в составе сборника «Спор гармонии с изобретением».
Каждому концерту сопутствовал сонет, а в нотах композитор оставил указания, поясняющие, что именно изображает музыка!
Послушаем, как звучит его «Осень».
🎻 Первая часть — праздник урожая.
Крестьяне радуются собранному винограду, танцуют и веселятся. Скрипки звучат так задорно, словно перед нами настоящая деревенская площадь, полная людей!
🎻 Вторая часть — сон после праздника.
Веселье стихает.
Музыка становится тихой, плавной и удивительно спокойной. Всё погружается в сон.
🎻 Третья часть — охота.
С рассветом охотники отправляются в лес.
Музыка изображает охотничьи рога, скачку, погоню — и стремительно несётся к финалу.
И всё это — без единого слова, только скрипки и оркестр!
Почти триста лет прошло со времени публикации «Времён года», а музыка Вивальди по-прежнему позволяет нам не только услышать, но и словно увидеть осень.
🎧 Сегодня слушаем
Антонио Вивальди
«Осень» из цикла «Времена года»
🎻 Исполняет Моденский камерный оркестр (The Modena Chamber Orchestra).
Скрипка и оркестр проведут нас через три музыкальные картины: праздник урожая, тихий сон и осеннюю охоту.
☀️ С улыбкой навстречу новому дню!
У этой жизнерадостной песни необычная судьба.
Мы помним её по любимой кинокомедии «Джентльмены удачи», но родилась она совсем не в кино!
Всё началось в 1970 году на сцене Московского театра сатиры, где Марк Захаров и Александр Ширвиндт поставили спектакль «Проснись и пой!» по пьесе «Лазейка» венгерского драматурга Миклоша Дьярфаша.
Музыку написал Геннадий Гладков, а стихи — Владимир Луговой.
Впервые песню исполнила актриса Нина Корниенко, игравшая в спектакле Карелу.
А уже в 1971 году мелодия перекочевала на большой экран — в комедию режиссёра Александра Серого «Джентльмены удачи».
На сцене поёт актриса Галина Микеладзе.
Но голос, который мы слышим, принадлежит — Ларисе Мондрус!
Именно её исполнение принесло песне всенародную известность.
Есть и ещё одна любопытная история.
По одной из версий, Георгий Данелия, помогавший Александру Серому с созданием фильма, предложил включить именно эту песню как своеобразное ободрение другу, возвращавшемуся к работе в кино после тяжёлых лет.
В 1972 году запись Мондрус вышла на отдельной маленькой пластинке — миньоне.
А в 1974-м зрители увидели телевизионную версию спектакля «Проснись и пой!».
Несколько слов о самой Ларисе Мондрус.
К моменту выхода фильма она уже была звездой советской эстрады, выступала в «Голубых огоньках», покоряя зрителей красотой голоса и артистизмом.
Но отношения с музыкальными чиновниками складывались непросто.
В 1973 году певица вместе с мужем, музыкантом Эгилом Шварцем, эмигрировала в ФРГ, где продолжила творческую карьеру.
Автор слов песни, Владимир Луговой, — тот самый поэт, о котором мы уже рассказывали!
Именно он написал русский текст к «Просто уходило лето» в исполнении ВИА «Весёлые ребята».
А «Проснись и пой» и сегодня звучит удивительно современно.
Ведь умение улыбнуться, даже когда что-то идёт не так, никогда не выходит из моды!
🎧 Сегодня слушаем
Лариса Мондрус
«Проснись и пой»
🎶 Десять минут, которые отправили музыку в космос 🚀
В 1977 году мир услышал необычную мелодию.
В ней не было ни единого слова, но она покорила миллионы слушателей и стала одним из самых узнаваемых хитов эпохи диско.
Space — Magic Fly («Волшебный полёт»).
А ведь эта музыка могла вообще никогда не появиться на пластинке!
Всё началось в 1976 году.
Французская астролог Элизабет Тессье попросила композитора Дидье Маруани написать музыкальную заставку для телевизионной программы об астрологии.
Маруани тогда увлёкся синтезаторами — инструментами, способными создавать совершенно новые, непривычные звуки.
По воспоминаниям самого композитора, главную тему будущего хита он придумал всего за десять минут!
Но телевизионную программу так и не запустили.
Маруани предложил записать мелодию на пластинку, однако звукозаписывающая компания отказалась.
Там посчитали, что такая необычная музыка не заинтересует публику.
Как же они ошибались!
В 1977 году Маруани создал французскую группу Space («Космос»), и «Magic Fly» отправилась в самостоятельное путешествие.
У музыкантов был весьма необычный сценический образ: они выступали в космических костюмах и шлемах, скрывавших лица.
Но дело было не только в желании удивить зрителей.
Маруани уже имел контракт с другой звукозаписывающей компанией как певец, поэтому не мог свободно выступать под собственным именем.
Так появился псевдоним Ecama («Экама»), а космические шлемы помогали сохранять инкогнито.😊
И началось настоящее музыкальное чудо!
«Magic Fly» возглавила хит-парады нескольких европейских стран, а в Великобритании добралась до второго места.
Мелодия словно переносила слушателя в невесомость.
Пульсирующий ритм, переливы синтезаторов, необычные электронные звуки — всё это создавало ощущение путешествия среди звёзд.
Причём без единого слова!
А в Советском Союзе Space ждал особенный приём.
В 1983 году Дидье Маруани приехал с гастролями в СССР. Концерты проходили в Москве, Ленинграде и Киеве.
Всего состоялся 21 концерт, собравший, по данным официального сайта музыканта, более 600 тысяч зрителей!
В том же году фирма «Мелодия» выпустила пластинку «Волшебный полёт», и электронная музыка Space зазвучала на советских проигрывателях.
Прошло почти полвека, а стоит зазвучать первым электронным переливам — и мы снова отправляемся в этот удивительный полёт.
🚀
🎧 Сегодня слушаем
Space
Magic Fly
(«Волшебный полёт»).
🍂🎶 Испанская мелодия с советской душой
В 1977 году знаменитый женский дуэт Baccara («Баккара») выпустил композицию «Cara Mia» («Милая моя»).
Её авторами были немецкие музыканты Рольф Сойя и Джон О’Брайен-Докер.
А спустя два года знакомая мелодия зазвучала уже по-русски.
В 1979 году песню записал ВИА «Весёлые ребята».
Солисткой стала Людмила Барыкина, а запись вошла в альбом «Музыкальный глобус», выпущенный фирмой «Мелодия».
Немного о самом ансамбле.
ВИА «Весёлые ребята» появился в Москве в 1966 году.
Его создателем и бессменным художественным руководителем на протяжении многих десятилетий был Павел Слободкин.
Название он позаимствовал у знаменитой джазовой комедии 1934 года "Весёлые ребята".
К концу 1970-х коллектив уже стал одним из самых популярных в стране. Через него прошли многие известные музыканты, а репертуар сочетал советские песни с обработками зарубежных мелодий.
Особое место в истории ансамбля занял «Музыкальный глобус» — альбом, построенный на русскоязычных версиях зарубежных композиций.
Именно здесь и прозвучала песня «Просто уходило лето».
Русский текст написал поэт Владимир Луговой.
Он не стал просто переводить оригинал.
Вместо этого появилась совершенно самостоятельная история — о любви, о воспоминаниях и о лете, которое ушло почти незаметно.
Так зарубежная танцевальная мелодия превратилась в одну из самых трогательных песен советской эстрады.
Впоследствии «Просто уходило лето» исполняли и другие артисты, но именно версия конца семидесятых подарила песне широкую известность в СССР.
Прошло столько лет, а эта мелодия по-прежнему вызывает то самое чувство, когда вспоминаешь не столько ушедшее лето, сколько всё хорошее, что было вместе с ним.
🎧 Сегодня слушаем
ВИА «Весёлые ребята»
«Просто уходило лето»
🎶 🎶 Марш, под который хочется танцевать!
У солдата выходной! Пуговицы начищены, впереди целый день свободы, а вокруг — весна, улыбки девушек и незнакомый город.
Эту весёлую песню композитор Владимир Шаинский первоначально задумывал как настоящий строевой марш.
История началась в середине 1970-х.
ВИА «Пламя», созданному в 1975 году музыкантами, ушедшими из «Самоцветов», требовался новый репертуар.
И тут появилась песня «Идёт солдат по городу» на музыку Владимира Шаинского и стихи Михаила Танича.
С её появлением связана замечательная история!
По воспоминаниям солиста ансамбля Юрия Петерсона, музыканты собирались улетать на гастроли, когда в аэропорту неожиданно появился Шаинский с нотами.
«Ребята, я написал новую песню!»
— радостно объявил композитор.
Сергей Березин взглянул на ноты и сразу предсказал будущий успех.
А сам Шаинский, по рассказам, прямо в зале ожидания шагал под собственную мелодию, проверяя, смогут ли солдаты маршировать под неё строем!
И действительно, музыка получилась необычной: вроде бы марш, но с такими лёгкими, почти вальсовыми интонациями, что ноги сами просятся в танец.
А вот к словам песни, как рассказывают, у некоторых военных возникли вопросы!
Почему солдат гуляет по незнакомой улице?
Указал ли он, куда отправляется в увольнение?
И не нарушает ли случайно воинский устав?
Но сведений об официальном запрете песни нет, и она благополучно дошла до слушателей.🙂
Ведь Михаил Танич написал не о службе и строевой подготовке, а о простом человеческом счастье: солдат гуляет, заходит в кино, покупает эскимо и радуется своему выходному.
А где-то далеко его ждёт любимая. И это для него важнее всех девичьих улыбок!
В 1977 году ВИА «Пламя» записал песню, а в январе 1978-го она вышла на пластинке.
В том же году «Идёт солдат по городу» прозвучала на телевизионном фестивале «Песня года — 78» в исполнении ансамбля и приглашённого певца Юрия Богатикова.
Так задуманная как марш композиция стала одной из самых жизнерадостных песен советской эстрады.
🎧 Сегодня слушаем
ВИА «Пламя»
«Идёт солдат по городу»
🎶 Мелодия, которая ждала своего часа шесть лет
Эту мелодию Рудольф Шенкер придумал задолго до того, как её услышал весь мир.
Около шести лет основатель и гитарист Scorpions пытался найти ей место на альбомах группы — но её раз за разом откладывали. Чего-то не хватало.
Всё изменилось, когда гитарист Маттиас Ябс добавил свою партию. Наконец появилось нужное звучание, и Клаус Майне понял: для этой музыки нужны особенные слова.
К тому времени Scorpions прошли уже очень большой путь.
Группа появилась в Ганновере ещё в 1965 году, её основал Рудольф Шенкер, а знаменитым голосом коллектива стал Клаус Майне.
В 1970-е музыканты добились известности далеко за пределами Германии, а к началу 1980-х Scorpions уже входили в число самых известных европейских рок-групп.
По воспоминаниям Шенкера, однажды Майне отправился гулять по заснеженному полю.
Именно тогда начал складываться текст.
Вернувшись домой, Клаус записал слова.
Так появилась Still Loving You — «Я всё ещё люблю тебя».
Это песня о любви, которая почти разрушена.
Герой понимает, что причинил любимой боль, признаёт свою вину и просит дать им ещё один шанс. Между двумя людьми уже накопились обиды и гордость — но он всё ещё верит, что отношения можно спасти.
В 1984 году Still Loving You вошла в альбом Love at First Sting — «Любовь с первого укуса».
И здесь тоже игра слов: привычное английское выражение
love at first sight — «любовь с первого взгляда», а sting означает «жало» или «укус».
Для группы под названием Scorpions — лучше и не придумаешь.😊
И мелодия, которую столько лет не могли пристроить ни в один альбом, стала огромным хитом.
Особенная любовь ждала её во Франции, где было продано около 1,7 миллиона экземпляров сингла.
А затем родилась легенда, которую сами музыканты вспоминали с удовольствием.
В 1985 году во Франции увеличилось число рождений — и в этом в шутку обвинили… Still Loving You.
Мол, слишком много романтических вечеров прошло под эту балладу.
Конечно, доказать влияние одной песни на демографию невозможно.
Но сама эта легенда прекрасно показывает, насколько невероятно популярна была Still Loving You.
🎧 Сегодня слушаем
Scorpions
Still Loving You
(«Я всё ещё люблю тебя»).
🎶 Песня о цветущей земле, написанная человеком, потерявшим зрение
«Цвети, земля моя!» сегодня трудно представить без Розы Рымбаевой — её сильного, звонкого голоса и той удивительной искренности, с которой она исполняет эту песню.
Музыку написал Павел Ермишев, слова — Михаил Суворов.
Уже в 1977 году песню записала Мария Кодряну, позднее её исполняли и другие певицы.
Версия Розы Рымбаевой появилась в 1979 году — с Оркестром кинематографии под управлением Александра Петухова.
За светлыми словами этой песни стоит удивительная судьба.
Михаил Суворов потерял зрение ещё подростком, после тяжёлого ранения в военные годы.
Он помнил мир зрячим, а земля, солнце, весна, родная природа впоследствии стали постоянными образами его поэзии.
И потому совсем иначе воспринимаются написанные им строки:
«Мир — какое небо надо мной!
Мир — какой простор, какой покой!»
Музыку к стихам написал Павел Ермишев — советский композитор, чьи песни входили в репертуар многих известных исполнителей.
В «Цвети, земля моя!» его широкая, почти гимническая мелодия удивительно соединилась со светлыми стихами Суворова.
Для Розы Рымбаевой эта песня стала одной из знаковых.
Сама певица выделяла «Цвети, земля моя!» и «Алию» среди произведений, в которых особенно полно смогла выразить своё отношение к Родине, миру и памяти тех, кто погиб за родную землю.
Роза Рымбаева родилась в 1957 году на маленьком железнодорожном разъезде в Казахстане, выросла в большой семье, училась в интернате вдали от дома.
Совсем молодой начала свой путь на сцену: конкурсы, ансамбль «Гульдер», а затем — всесоюзная известность.
Хрупкая внешне певица покорила огромную страну удивительно сильным, чистым и звонким голосом.
И в её исполнении «Цвети, земля моя!» стала не просто торжественной песней о мире.
В ней слышится очень личное чувство — любовь к земле, на которой человек вырос, к своему дому и своей Родине.
🎧 Сегодня слушаем
Розу Рымбаеву
«Цвети, земля моя!»
🎶 «Не сыпь мне соль на рану» — история одной упрямой строчки
«Не сыпь мне соль на рану, она ещё болит…»
В конце 1980-х эту песню распевала вся страна. Но прежде чем она стала хитом, её авторам пришлось поспорить из-за одной-единственной строчки.
Когда поэт Симон Осиашвили принёс Вячеславу Добрынину новые стихи, композитора смутило выражение «не говори навзрыд».
Как это — говорить навзрыд? Ведь навзрыд обычно плачут!
За советом обратились к известному поэту-песеннику Леониду Дербенёву. Тот тоже счёл выражение неудачным.
Но Осиашвили не собирался сдаваться и напомнил строки Бориса Пастернака:
«Февраль. Достать чернил и плакать!
Писать о феврале навзрыд…»
Аргумент оказался убедительным. Спорную строчку сохранили, а Добрынин написал музыку.
И тут история сделала неожиданный поворот!
Исполнить новую песню предложили Николаю Расторгуеву. Он согласился, но в назначенный день на запись не приехал.
Тогда к микрофону встал сам Добрынин.
Композитор, поначалу не слишком веривший в успех этой песни, неожиданно для себя оказался исполнителем одного из самых любимых шлягеров конца 1980-х!
«Не сыпь мне соль на рану» быстро завоевала популярность, а её припев превратился в крылатую фразу.
В ней нет сложных образов или запутанной истории. Только знакомое многим чувство: любовь закончилась, а воспоминания о ней всё ещё причиняют боль.
Именно эта простота, соединённая с проникновенной мелодией и узнаваемым голосом Добрынина, сделала песню такой близкой слушателям.
А история её рождения напоминает, какую неожиданную роль порой играют случайности.
Кто знает, какой была бы судьба «Не сыпь мне соль на рану», если
бы Николай Расторгуев тогда приехал в студию?
🎧 Сегодня слушаем
Вячеслав Добрынин
«Не сыпь мне соль на рану».
🎶 Джонни, которому сказали «нет»!
В 1977 году появилась песня, которую в Советском Союзе узнавали буквально по первым звукам.
Низкий, чуть хрипловатый женский голос, завораживающая мелодия и знаменитое мужское «Oh, yeah!» — Gilla — Johnny («Джонни»).
Началось всё в Италии.
Мелодию написал Тото Кутуньо, вместе с ним над композицией работали Джанни Гуарньери и поэт Вито Паллавичини.
Первоначально песня называлась Uomo («Мужчина»), а первой её исполнила итальянская певица Мита Медичи.
Затем мелодия попала к немецкому продюсеру Фрэнку Фариану, имя которого неразрывно связано с легендарной группой Boney M.
Для новой версии Фред Джей написал английский текст, а исполнила её австрийская певица Гилла.
Настоящее имя Гиллы — Гизела Вухингер.
Она выросла в музыкальной семье, начинала выступать ещё в юности, а позднее привлекла внимание Фариана.
Продюсера заинтересовал её необычный голос — низкий, хрипловатый, с особенной, чуть дерзкой манерой исполнения. Такой голос трудно было спутать с каким-либо другим.
И вот в 1977 году появилась Johnny.
О чём же поёт Гилла?
Джонни умеет красиво ухаживать. Он создаёт романтическую обстановку, пытается очаровать девушку и явно уверен в своём успехе.
Но героиня прекрасно понимает его намерения.
И вместо ожидаемого согласия Джонни получает решительное «нет»!
Получается любопытный контраст: музыка звучит чувственно и соблазнительно, а женщина вовсе не собирается уступать настойчивому поклоннику.
И ещё одна интересная вещь!
Тот самый глубокий мужской голос, который отвечает Гилле знаменитым «Oh, yeah!» («О да!»)...
Это голос самого Фрэнка Фариана!
В 1977 году «Johnny» вышла на альбоме Zieh mich aus («Раздень меня») и отдельной пластинкой.
В Советском Союзе Гиллу тоже прекрасно знали.
Её песни звучали на магнитофонах и дискотеках, а «Johnny» стала одной из мелодий, с которыми у многих навсегда связана атмосфера семидесятых.
🎧 Сегодня слушаем
Gilla
Johnny
(«Джонни»).
🎶 Песня, которую Магомаев услышал совсем другой
В 1971 году композитор Арно Бабаджанян и поэт Роберт Рождественский написали для нового спектакля мюзик-холла сатирическую песню. Называлась она — «Понедельник — день тяжёлый».
А потом авторы показали её Муслиму Магомаеву.
И Магомаев услышал в ней совсем другую песню.
Он предложил изменить сам характер произведения: сделать его звонким, лихим, праздничным. Бабаджаняну и Рождественскому идея понравилась — песню переделали.
Позже Бабаджанян вспоминал эту историю как пример особого дара Магомаева и говорил, что певца можно было по праву считать соавтором композитора и поэта.
Так появился тот самый контраст, за который мы и любим «Свадьбу».
В начале — одинокий путник на просёлочной дороге.
Он случайно встречает чужую свадьбу, смотрит на веселье и думает о том, что сам так и не стал женихом.
Немного грусти, немного сожаления...
А потом — словно распахиваются двери: музыка набирает ход, и начинается настоящий праздник.
Герой песни не женится.
Он всего лишь случайный гость на чужой свадьбе.
А песня стала одним из самых знаменитых свадебных хитов страны.
В том же 1971 году «Свадьба» прозвучала в финале первого всесоюзного телевизионного фестиваля «Песня-71» и вошла в число его победителей.
Вот что значит иногда вовремя сказать авторам:
а давайте сделаем совсем по-другому! 😊
🎧 Сегодня слушаем
Муслим Магомаев
«Свадьба»
Музыка — Арно Бабаджанян
Стихи — Роберт Рождественский
🎶 Когда лучшее только начинается
В конце 1970-х многие могли решить, что большая сцена для Тины Тёрнер осталась в прошлом.
Её знаменитый дуэт с Айком Тёрнером распался.
За громким сценическим успехом скрывались годы тяжёлого брака и насилия, из которого Тина в конце концов ушла.
Вместе с браком закончилась и прежняя музыкальная жизнь — сольную карьеру ей пришлось практически строить заново.
А ей было уже около сорока.
Для поп-индустрии тех лет возраст почти приговор.
Но история Тины Тёрнер пошла совершенно по другому сценарию.
Несколько трудных лет — и в 1984 году выходит Private Dancer («Частная танцовщица»).
Тине 44, и именно теперь она становится мировой суперзвездой.
Альбом расходится многомиллионными тиражами, приносит ей «Грэмми», а Тёрнер превращается в одну из главных певиц десятилетия.
Казалось бы, невероятное возвращение уже состоялось.
Но впереди была песня, которая станет почти её музыкальным автографом.
The Best («Лучше всех»).
Песню написали Майк Чепмен и Холли Найт.
Первой The Best записала вовсе не Тина, а Бонни Тайлер.
Её версия вышла в 1988 году на альбоме Hide Your Heart («Спрячь своё сердце»).
Но публика почти прошла мимо: в британском хит-параде песня добралась лишь до 95-го места.
Через год её записывает Тина Тёрнер.
Причём она не просто берёт готовую песню.
Тина чувствует, что ей чего-то не хватает, и просит соавтора Холли Найт добавить новую переходную часть и повышение тональности ближе к финалу.
В аранжировке появляется и великолепное саксофонное соло Эдгара Уинтера.
И происходит музыкальная магия.
В 1989 году версия Тины выходит на альбоме Foreign Affair («Роман на стороне») и становится международным хитом: в Великобритании песня поднимается до 5-го места, а в США занимает 15-е место в главном рейтинге самых популярных песен страны — Billboard Hot 100.
Когда сингл вышел, Тине было 49 лет. Через несколько месяцев исполнилось пятьдесят.
И поэтому сегодня The Best воспринимается почти символично.
Тина поёт о человеке, который «лучше всех», — но трудно отделаться от ощущения, что сама её судьба в тот момент доказывала нечто очень похожее:
лучшее совсем не обязательно остаётся в молодости.
Иногда оно только начинается.
🎧 Сегодня слушаем Tina Turner
The Best
(«Лучше всех»).
🎶 «Валенки»,
которые дошли до Берлина
«Валенки, валенки, ой да неподшиты, стареньки…»
Стоит услышать эти слова — и сразу вспоминается неповторимый голос Лидии Руслановой!
Кажется, что эту песню испокон веков пели в русских деревнях.
Но у знаменитых «Валенок» совсем другая история.
Начиналось всё с цыганской плясовой!
Ещё в начале XX века «Валенки» звучали на эстраде.
В 1911 году песню записала на грампластинку петербургская певица Нина Дулькевич под названием «Валенки (Ах, ты Коля, Николай)».
Позднее её исполняли цыганская певица Настя Полякова и знаменитая Изабелла Юрьева.
Интересно, что в начале 1930-х годов Дулькевич и Русланова выступали в одних концертах, но тогда «Валенки» пела только Дулькевич.
Свою версию Лидия Русланова создала во время Великой Отечественной войны.
По воспоминаниям певицы, однажды перед фронтовым концертом она заметила молодого солдата в стареньких, промокших валенках.
С них стекала талая вода, образуя на полу небольшую лужицу.
И тут ей вспомнилась знакомая саратовская припевка:
«Валенки, валенки, неподшиты стареньки…»
Русланова взяла старый мотив за основу, изменила мелодию, перестроила куплеты — и песня зазвучала совершенно по-новому!
Вместо прежней протяжной манеры появились озорство, удаль, задор и неповторимая руслановская интонация.
В 1943 году певица записала «Валенки» на грампластинку.
Но самое знаменитое исполнение было ещё впереди.
2 мая 1945 года. Берлин. Ступени рейхстага.
Лидия Русланова выступает перед советскими солдатами, прошедшими долгую дорогу войны.
И бойцы просят спеть «Валенки»!
По воспоминаниям, певица с улыбкой объявила:
«А сейчас „Валенки“, неподшиты, стареньки, которые до самого Берлина дошагали!»
И зазвучала песня, в которой не было ни слова о войне, но которая в тот день приобрела совершенно особенный смысл.
После концерта Русланова оставила свою подпись на стене рейхстага.
С тех пор «Валенки» стали настоящей музыкальной визитной карточкой певицы.
И сколько бы исполнителей ни обращались к этой песне, именно голос Руслановой — мощный, звонкий, озорной — навсегда остался с ней связан.
🎧 Сегодня слушаем
Лидия Русланова
«Валенки».
🎧 1980 — ВИА «Здравствуй, песня» — СИНИЙ ИНЕЙ
🎧 1978 — Eruption («Извержение») — ONE WAY TICKET
«Билет в один конец»
🎧 1970 — «Поющие гитары» — СИНЯЯ ПЕСНЯ
🎧 1959 — Neil Sedaka — ONE WAY TICKET (TO THE BLUES)
«Билет в один конец к тоске»
🎼Одна мелодия — четыре жизни
Эта мелодия прожила как минимум четыре жизни — и за двадцать один год успела побывать американской песней о расставании, советским «Синим инеем», европейским диско-хитом и снова вернуться к нам уже совсем в другом звучании.
А началось всё в 1959 году.
Американские авторы Джек Келлер и Хэнк Хантер написали песню
One Way Ticket (To the Blues) — «Билет в один конец к тоске».
Первым её записал Нил Седака. Песня вышла на обратной стороне его знаменитого сингла Oh! Carol — «О, Кэрол!».
Ритм композиции напоминает движение поезда...
Герой, который после расставания словно покупает билет туда, откуда уже не возвращаются.
В Америке главным хитом она не стала. А вот в Японии её неожиданно полюбили.
Прошло одиннадцать лет — и мелодия оказалась в Советском Союзе.
В 1970 году фирма «Мелодия» выпустила пластинку
ВИА «Поющие гитары», на которой появилась «Синяя песня».
Русский текст написал Альберт Азизов, обработку сделал Анатолий Васильев.
Название «Синяя песня» сегодня вспомнят далеко не все.
А вот первые слова — наверняка:
«Синий, синий иней…»
Американская песня о билете в один конец получила совершенно новый русский текст и стала для советских слушателей уже своей.
Но впереди у старой мелодии было ещё одно превращение.
В 1978 году британская группа Eruption («Извержение») записала One Way Ticket для альбома Leave a Light — «Оставь свет».
Продюсером записи был Фрэнк Фариан, уже стоявший за огромным успехом Boney M., а пела Прешес Уилсон.
От песни 1959 года осталась узнаваемая мелодия — но вокруг неё возник совсем другой мир.
Диско. Мощный голос Прешес Уилсон. Новый ритм. И то самое заразительное One Way Ticket!, после которого песню уже невозможно было перепутать ни с какой другой.
В начале 1979 года версия Eruption вышла синглом и стала большим европейским хитом.
Казалось бы, круг замкнулся.
Но нет.
Мелодия снова вернулась в Советский Союз — теперь уже вслед за модой на диско.
В 1980 году ВИА «Здравствуй, песня» записал свой «Синий иней».
Слова были те самые, знакомые по версии «Поющих гитар», а звучание теперь оказалось совсем другим — энергичным, танцевальным, очень близким по духу к тому, что только что сделала с песней Eruption.
Для разных поколений одна и та же мелодия осталась в памяти совершенно разной.
Кто-то впервые услышал её у Нила Седаки.
Кто-то помнит лиричную «Синюю песню» «Поющих гитар».
Для кого-то это прежде всего голос Прешес Уилсон и One Way Ticket.
А кто-то с первых нот слышит:
«Синий-синий иней лёг на провода…»
А сейчас предлагаю послушать... 🎧
все четыре записи — одну за другой, в хронологическом порядке.
Друзья, интересны ли такие истории?
Пишите в комментариях 👇🙏
🎶 Старая легенда в современной музыке
Сегодня немного отступим от привычного маршрута и заглянем в современную музыку.
Но далеко от прошлого не уйдём — потому что история этой песни началась задолго до рождения её исполнительницы.
Есть одна старая музыкальная легенда.
В 1930-е годы в Миссисипи жил молодой блюзмен Роберт Джонсон.
При жизни он не был большой звездой, но впоследствии стал одним из самых влиятельных музыкантов в истории блюза.
В 2003 году журнал Rolling Stone поместил Роберта Джонсона на пятую строчку своего списка «100 величайших гитаристов всех времён».
А вокруг его имени родился миф, переживший самого музыканта.
Будто однажды ночью Джонсон пришёл на перекрёсток дорог и встретил там дьявола.
Тот настроил его гитару и вернул обратно — а взамен получил душу музыканта.
После этого, гласит легенда, Джонсон стал играть так, как прежде не умел никто.
Разумеется, это всего лишь легенда.
Но образ музыканта, готового отдать всё ради своего искусства, оказался удивительно живучим.
Прошло много десятилетий — и он появился в песне девушки, которую миллионы зрителей сначала знали совсем в другом качестве.
Тейлор Момсен родилась в 1993 году в американском Сент-Луисе и сниматься начала ещё ребёнком. В семь лет она сыграла маленькую Синди Лу в фильме «Гринч — похититель Рождества», а позднее стала одной из звёзд сериала «Сплетница».
Казалось бы, прекрасная актёрская карьера уже была у неё в руках.
Но Тейлор выбрала музыку.
Она оставила кино и стала вокалисткой группы The Pretty Reckless — название можно приблизительно перевести как «Безрассудные красавицы».
И вот здесь старая легенда о Роберте Джонсоне получила неожиданное продолжение.
В 2016 году Тейлор Момсен и гитарист Бен Филлипс написали Take Me Down — «Забери меня».
Композиция рассказывает историю музыканта, готового на всё ради своей страсти - рок-н-ролла и напрямую отсылает к знаменитой легенде о блюзмене Роберте Джонсоне.
В песне вновь возникает тот самый перекрёсток и человек, готовый заключить сделку ради возможности играть рок-н-ролл.
Сама Момсен рассказывала, что история Джонсона была ей особенно близка: в каком-то смысле она и сама сделала подобный выбор.
Конечно, без мистики. Она просто однажды отказалась от уже состоявшейся актёрской карьеры и поставила всё на музыку.
И рискнула не зря.
Take Me Down - стала одной из самых успешных песен группы и заняла первое место среди самых популярных рок-композиций в США.
Причём для The Pretty Reckless это была уже четвёртая песня, поднявшаяся на вершину этого рейтинга.
Но сегодня предлагаю забыть о чартах и просто послушать.
Даже если рок — совсем не ваша музыка, дайте этой песне несколько минут.
В ней слышен старый блюзовый корень, из которого когда-то вырос рок, — и живёт очень старая история о том, сколько человек готов поставить на кон ради дела, без которого не представляет своей жизни.
🎧 Сегодня слушаем
The Pretty Reckless
Take Me Down
(«Забери меня»).
🎶 Девушка из Полесья, которую знала вся страна
«Живёт в белорусском Полесье
Кудесница леса — Олеся…»
Эту песню в конце 1970-х запела вся страна.
А началась её история с почти случайной встречи у белорусского озера Нарочь.
Поэт Анатолий Поперечный вспоминал, что однажды гулял там в поисках темы.
И вдруг из лесной чащи появилась девушка — дочь лесника. Она настолько поразила его своей красотой, что поэт спросил, как её зовут.
— Алеся.
Вернувшись, Поперечный записал стихи.
Те самые, которые вскоре станут песней «Алеся».
Летом 1978 года в Центральном доме литераторов он показал их композитору Олегу Иванову.
И здесь произошло удивительное совпадение.
Иванов родился в Норильске, окончил медицинский институт и успел поработать врачом скорой помощи в Новосибирске, прежде чем окончательно выбрать музыку.
Но образ девушки из леса жил в его памяти ещё с юности:
в пятнадцать лет он прочитал повесть Александра Куприна «Олеся», а затем увидел фильм «Колдунья» с Мариной Влади.
И вот спустя годы перед ним лежали стихи Поперечного — снова лес, снова загадочная девушка и снова имя Алеся.
Музыка родилась очень быстро.
Сначала Иванов хотел предложить новую песню «Песнярам».
Но у ансамбля Владимира Мулявина уже была своя знаменитая «Алеся» — песня Игоря Лученка на стихи Аркадия Кулешова.
В воспоминаниях сохранилась шутливая фраза Мулявина:
«Двух „Алесь“ не выдержат даже такие мужики, как наши».
Так новая «Алеся» попала к другому белорусскому ансамблю — «Сябрам».
Кстати, «сябры» по-белорусски означает «друзья».
Художественным руководителем «Сябров» был Валентин Бадьяров, прежде игравший в «Песнярах». Он сделал аранжировку песни и посвятил её своей дочери Олесе.
По воспоминаниям музыканта Николая Подгорнова, первоначально Бадьяров собирался поручить сольную партию Виталию Червонному.
Однако Анатолий Ярмоленко очень хотел спеть «Алесю» и уговорил руководителя отдать песню ему.
И сегодня представить её другим голосом уже трудно.
В 1978 году «Сябры» исполнили «Алесю» в телевизионной программе «Шире круг».
Песня стремительно стала популярной, а для самого ансамбля превратилась в настоящую визитную карточку.
🎧 Сегодня слушаем
ВИА «Сябры»
«Алеся»
(«Девушка из Полесья»).
