Публикации канала «Далёкое–близкое | Русское искусство за рубежом»

Николай БОГДАНОВ-БЕЛЬСКИЙ (1868–1945) «Новая сказка», 1891 🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республика Беларусь, Минск) Техника: Холст, масло Размеры: 152,3 х 137,2 см Описание «Новую сказку» Богданов-Бельский написал будучи совсем молодым живописцем, в 23 года. К этому времени он уже закончил иконописную мастерскую при Троице-Сергиевой Лавре и Московское художественное училище. Через три года он поступит в Высшее художественное училище, где будет обучаться у Ильи Репина. Эта картина – одна из цикла картин Богданова-Бельского с сюжетами из крестьянской жизни. Такой интерес - это глубокая благодарность художника своему первому и главному учителю - основателю народной школы Сергею Рачинскому. В 1872 году Рачинский приехал в свое родное село Татево и построил там первую в стране сельскую школу, где крестьянские дети могли жить в пансионе. Он сам занимался с воспитанниками, в том числе преподавал им рисование и живопись. Именно в класс Рачинского был принят Богданов и проучился в нем два года. В начале 1880-х учитель помог Богданову попасть в иконописную мастерскую при Троице-Сергиевой Лавре и содержал его, отправляя ежемесячно 25 рублей на расходы (примерно столько тогда получали учителя). Своего учителя Богданов не раз изображал на своих картина: «У больного учителя», «У дверей школы», «Устный счет». «Удивительный человек, учитель жизни. Я всем, всем ему обязан… В его присутствии в деревне ни один из нас не решится на какой-нибудь дурной поступок. Мы, ученики, при нем очищаемся от наших пороков». (из воспоминаний Н. Богданова-Бельского о С. Рачинском) 🗺️ Далёкое–близкое

Наталия ГОНЧАРОВА (1881–1962) «Белье (Linen)», 1913 🇬🇧 Британская галерея Тейт (Великобритания, Лондон) Техника: Холст, масло Размеры:  96 x 84 см Источник поступления: дар Евгения Молло в 1953 Подпись: «Н. Гончарова. 912.» ⚓ Провенанс ???: приобретена Евгением Молло у Н. Гонаровой. 1953: дар Евгения Молло Британской галереи Тейт. Описание Эта картина передает напряженную жизнь крупной паровой прачечной, которая обеспечивает полный комплекс услуг: по состоянию представленных на картине иссиня-белых вещей мы видим, что они не только отстираны и накрахмалены, не только отутюжены, но и профессионально сложены - как будто только что из магазина. Видно даже распределение социальных ролей в обществе. Это с одной стороны – всё мужское и строго-формальное, для работы (сорочки, воротники-стойки и манжеты). С другой стороны, – всё дамское (кружевные облака блуз и фартуков) – для домашнего уюта. Напряженность и динамизм композиции (впечатление обилия работ, которые нужно выполнить) создается за счет приемов кубофутуризма: сдвигами линий и форм, перекрывающих друг друга; включением фрагментов вывесок с буквами: ПРАЧЕ (прачечная), БОТ (работы), Б.С. (Бани Сандуновские). Картина была написана в России, и впервые представлена в Москве в августе 1913 года с названием «Лёд». Нынешнее название «Бельё» появилось позже, в 1914 году, на выставке художников, организованной в Париже арт-дилером Полем Гийомом. Закрытие выставки совпало с оккупацией Парижа немцами в ходе Первой мировой войны. Работа «Белье» вместе с другими картинами русских художников была конфискована немецкой армией. Чтобы спасти картины с выставки немецкий художник, критик и галерист Херварт Вальден (настоящее имя Георг Левин) заявил, что все они принадлежат ему. В знак подтверждения он наклеил на оборотную сторону картин этикетки своей галереи «Der Sturm». После войны Вальден вернул картины их владельцам. → О том, как эта картина, в ряду других, оказалась в Британской галерее Тейт А вам какое название картины нравится больше? ❤️ — «ЛЁД» (Наталья Гончарова) 👍 — «БЕЛЬЁ» (Поль Гийом) 🗺️ Далёкое–близкое

Иван АЙВАЗОВСКИЙ (1817–1900) «Шторм», 1886 🇬🇷 Национальная художественная галерея Афин (Греция, Афины) Техника: Холст, масло Размеры: 94 x 114 см Источник поступления: завещание Апостола Хациаргириса Подпись: внизу справа: Айвазовский, 1886 Описание На картине запечатлён миг отчаянной борьбы за жизнь: одинокая фигура, вцепившаяся в обломок мачты, вот‑вот будет поглощена вздыбленными волнами. Гигантские валы смыкаются вокруг неё, грозя навсегда скрыть от мира эту хрупкую преграду перед лицом стихии. Тяжёлое небо нависло свинцовой пеленой, а редкие проблески света лишь подчёркивают безысходность положения — кажется, ещё мгновение, и море восторжествует. Неотвратимая угроза превращает полотно в гимн и одновременно в реквием по человеческой отваге. «Человек, не одаренный памятью, сохраняющей впечатления живой природы, может быть отличным копировальщиком, живым фотографическим аппаратом, но истинным художником – никогда. Движения живых стихий – неуловимы для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волны – немыслимо с натуры. Сюжет картины слагается у меня в памяти, как сюжет стихотворения у поэта…» (И. Айвазовский) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай Рерих (1874–1947) «Странник Светлого города», 1933 🇺🇸 Музей Николая Рериха (США, Нью-Йорк) Техника: Холст, темпера Размеры: 61 × 96,5 см Источник поступления: приобретено Музеем Николая Рериха в 1984 году Подпись: внизу справа: подпись монограммой в правом нижнем углу; на обороте: Странник Светлого Града [рукой художника] ⚓ Провенанс 1933: Европейский центр Музея Рериха, Париж (передано во временное пользование) 1947: унаследовано Святославом Рерихом 1960: передано во временное пользование Музею Николая Рериха (Нью-Йорк) 1984: приобретено Музеем Николая Рериха (Нью-Йорк) Описание В картине «Странник Светлого Града», как и в эссе «Град Светлый», Николай Рерих обращается к молодёжному мистическому сообществу Советской России, описанному Михаилом Артемьевым в статье «Братство Светлого Города» (1931). Светлый город на картине во многом напоминает Псково-Печорскую обитель, которую Рерих называл «Чудесным местом... по уютности, по вековому покою, по интересным строениям, – местом, с которым мало что может сравниться во всей средней Руси». (Н. Рерих, Старина) «Идут паломники в Шамбалу, в Беловодье. Никакие пропасти не остановят стремление духа.... За белыми горами звонят колокола обителей». (Н. Рерих, Град Светлый) 🗺️ Далёкое–близкое

Марк ШАГАЛ (1887–1985) «Автопортрет с семью пальцами (Autoportrait aux sept doigts)», 1912-1913 🇳🇱 Городской музей (Амстердам, Нидерланды) Техника: Холст, масло Размеры: 135,5 x 117 см Источник поступления: предоставлено Агентством культурного наследия Нидерландов Городскому музею Амстердама ⚓ Провенанс 1914: приобретена у автора на выставке в Амстердаме коллекционером Реньо. Описание Автопортрет – очень ответственный жанр. А если художник окружает свой образ на портрете предметным антуражем, то требуется продуманный и тщательный отбор предметов, ибо в них и через них создается характеристика художника и психологический ореол вокруг его образа. «Автопортрет» Шагала – удивительно лаконичное, но объёмное высказывание. Это – и парадный портрет, и программное произведение. Здесь две родины сразу и рядом: ночной Париж с Эйфелевой башней и многоэтажками – за окном, ночной Витебск с церквушкой и маленькими домиками – в облачке на той же стене, где и окно. Образ самого художника напоминает образы Арчимбольдо, но только соткан он не из цветов и плодов. Он «скроен и сшит» из модных тогда геометризированных, хотя и скругленных форм. И лицо, и нарядный «белый» костюм с цветными рефлексами – состоят из заплаток, формам которых мог бы позавидовать сам Казимир Малевич. Однако природный лиризм, присущий Шагалу, разбавляет геометрию многочисленными завитками. Разноцветные и ожившие пятнышки краски с его палитры превращаются в кудри его волос, окрашивают в нежные цвета его костюм, расцветают розочкой на лацкане пиджака. Шагал пишет себя за работой. На мольберте – картина «России, ослами и другим» – послание своей и малой, и большой Родине. На левой руке художника семь пальцев. Число 7 – сакральное для библейской традиции, важной для еврейской диаспоры в Витебске, где прошло детство Шагала. Это число было наполнено для художника и особым мистическим смыслом: он родился 7-го числа 7-го месяца 1887 года. В верхней части холста еврейскими буквами написаны два слова: «Париж» и «Россия», что подтверждает программный характер «Автопортрета». «…Я вдали душевно жил с моей родиной и родиной моих предков. Я был душевно здесь всегда». (Марк Шагал, «Моя жизнь») → О картине «В Россию с ослами и прочими» 🗺️ Далёкое–близкое

Василий КАНДИНСКИЙ (1866–1944) «С солнцем», 1911 🇩🇪 Городская галерея в доме Ленбаха (Ленбаххаус) (Германия, Мюнхен) Техника: Стекло, масло Размеры: 30,6 × 40,3 см Источник поступления: дар Фонда Габриэль Мюнтер, 1957 Рисунок тушью и маслом под декоративным стеклом, в оригинальной расписной раме. Описание Эта картина, выполненная на обороте стекла, послужила основой для полотна «Маленькие радости» (Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк). В центре видны холмы, расположенные в шахматном порядке, два из которых увенчаны русскими городскими пейзажами; слева три красочных всадника скачут вверх по склону. Внизу изображена лежащая пара, над ними — белое солнце. Однако над правой половиной изображения зловеще висит черное облако; ниже него винно-красная лодка с тремя гребцами пробивается сквозь темные волны. Старинную технику «Hinterglasmalerei» Кандинский изучил и освоил в начале 1910-х годов в Баварии. «Картинки под стеклом» на протяжении столетий были практичной и доходчивой формой для изображения религиозных и исторических сюжетов. Находясь в Мурнау вместе со своей верной соратницей – художницей Габриэль Мюнтер, Кандинский собрал целую коллекцию баварских стекол и создал собственную. Свои картины на стекле художник называл «багатели» (от французского bagatelle, что означает «безделушка», «пустячок»). Техника живописи на стекле представляет собой сложную оптическую и цветовую систему, когда художник пишет маслом на оборотной стороне стеклянной основы. Для создания таких картин художнику приходится работать как бы «наоборот»: сначала наносить самые завершающие штрихи, а потом – основные цвета и фон, так как результат смотрят с обратной стороны стекла. Крупнейшее собрание багателей Кандинского, которые сохранила Габриэль Мюнтер, сейчас является отделом мюнхенской галереи Ленбаххаус. → О коллекции Габриэль Мюнтер в галерее Ленбаххаус 🗺️ Далёкое–близкое

Карл БРЮЛЛОВ (1799–1852) «Портрет графини Юлии Самойловой с приемной дочерью Джованниной и чернокожим слугой», 1832-1834 🇺🇸 Музей Хиллвуд (США, Вашингтон) Техника: Холст, масло Размеры: 268,2 x 280,7 см Источник поступления: дар Марджори Мерриуэзер Пост, 1973 Подпись: внизу слева: Brulloff Описание Эта картина Брюллова – самое важное произведение художника, хранящееся в музее за пределами России. Она является одним из многих его посвящений графине Юлии Павловне Самойловой, которая была его другом и меценатом, компаньоном в путешествиях по Италии и любимой моделью. Несмотря на все черты, присущие парадному портрету, здесь нет никакой статики. Брюллов изображает графиню в стремительном движении. Она словно на лету обнимает свою воспитанницу и роняет шарф на руки мальчику-слуге: оба подростка смотрят на нее с восхищением и обожанием. С таким же чувством нескрываемой радости приветствует свою хозяйку собачка. Красивая и энергичная молодая женщина, со всех сторон в буквальном смысле окруженная любовью, излучает какую-то непобедимую радость жизни, которая передается всем, кто находится рядом. Этот портрет, который в свое время экспонировался в Милане, был отмечен итальянской прессой как самое значительное произведение выставки. → О том, как эта картина, в ряду других, оказалась в Музее Хиллвуд 🗺️ Далёкое–близкое

Илья РЕПИН (1844–1930) «Всеволод Михайлович Гаршин», 1884 🇺🇸 Метрополитен-музей (США, Нью-Йорк) Техника: Холст, масло Размеры: 88,9 x 69,2 см Источник поступления: дар Фонда гуманитарных наук, 1972 Подпись: внизу слева: 1884 / И. Репин ⚓ Провенанс  1884: продано автором за 500 рублей И. Терещенко, Киев 1887: передано семье Терещенко-Ханенко, Канны 1903: продано А. Бахметеву, Нью-Йорк 1951: передано Фонду гуманитарных наук, Нью-Йорк 1972: дар Фонда гуманитарных наук Метрополитен-музей Описание Всеволод Гаршин – русский писатель, которого мы знаем как автора сказки «Лягушка-путешественница», которая претерпела десятки переизданий многомиллионными тиражами. В 1877 году Гаршин участвовал в Русско-турецкой войне, где 11 августа вступил в свой первый – и как выяснилось, единственный бой. Позже он называл этот день… «быть может, единственным днем, когда я сознавал себя честным и порядочным человеком. Тот, кто не бывал под пулями, вряд ли поймет, что я хочу этим сказать» (Из воспоминаний В. Гаршина). Выздоравливая, Гаршин написал свой первый рассказ «Четыре дня» о раненом солдате, который и принес ему известность. Вернувшись в Петербург, Гаршин продолжал писать и публиковать рассказы, которые чаще всего были о войне, безумии и зле. Илья Репин познакомился с писателем Гаршиным в 1882 году, а через два года он написал его портрет. Через четыре года после написания этой картины Гаршин покончил с собой. Илья Репин несколько раз писал Гаршина. Художник видел в его лице печать обреченности, необходимую для сына Ивана Грозного в картине «Иван Грозный и сын его Иван». Гаршин послужил прототипом и для молодого каторжанина с картины «Не ждали». «Когда Гаршин входил ко мне, я чувствовал это всегда еще до его звонка. А он входил бесшумно и всегда вносил с собой тихий восторг, словно бесплотный ангел». (из воспоминаний И. Репина) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай РЕРИХ (1874–1947) «Половецкий стан. Эскиз декорации к балету "Половецкие пляски"», 1909 🇬🇧 Музей Виктории и Альберта (Великобритания, Лондон) Техника: Холст, масло, темпера Размеры: 58,5 × 84,5 см Описание Грандиозная вокально-танцевальная сюита «Половецкие пляски» (второе действие оперы А. П. Бородина «Князь Игорь») открывала первый балетный сезон Сергея Дягилева в рамках «Русских сезонов». В отличие от предшествующих лет, когда гастроли посвящались какому-либо одному виду искусства, было решено вынести на суд зрителей невиданные прежде постановки, представляющие собой гармоничный «синтез хореографии, музыки и живописи». Спектакль представлял драматический эпизод истории — князь Игорь находится в плену у хана Кончака. Взору ошеломленной публики открывалась картина необъятных степных просторов, где под аккомпанемент полного оркестра пел хор и начинались танцы девушек-невольниц, а затем — неистовая пляска воинов. Для создания декораций к этой постановке был приглашен знаток восточной культуры Н. Рерих. Художник необыкновенно воспроизвел атмосферу «Половецкого стана» и «скифской природы».  Созданный Рерихом панорамный фон с его золотисто-алым небом над бесконечной далью степей, с его дымами, столбами, поднимающимися из пестрых приземистых кочевых юрт, совершенной потрясли зрителей.  К 1920 году «Половецкие пляски» выдержали более 500 постановок в различных театрах мира, а рериховское решение оформления сцены стало образцом русской театральной живописи. «Впечатление от этой сцены было столь огромным, что бурные аплодисменты неоднократно прерывали действие, и, когда занавес наконец опустился, ажиотаж был неописуемый». (из воспоминаний артиста балета С. Григорьева) «В театральных работах так же, как и в монументальных стенописях, для меня было всегда нечто особо увлекательное». (Н. Рерих, Театр, 1937) 🗺️ Далёкое–близкое

Константин МАКОВСКИЙ (1839–1915) «Боярский свадебный пир», 1883 🇺🇸 Музей Хиллвуд (США, Вашингтон) Техника: Холст, масло Размеры: 236,2 × 391,2 см Источник поступления: дар Марджори Мерриуэзер Пост, 1973 Подпись: внизу справа: К. Маковский 1883 Описание Эта картина изображает одно из важнейших социально-политических событий старой России — свадьбу двух влиятельных боярских семей. Художник изобразил момент свадебного пира, когда приносят жареного лебедя — последнее блюдо, которое подают перед тем, как молодожены удаляются. Поместье Марджори Мерривезер Пост хранит крупнейшую за пределами России коллекцию русского императорского искусства. В 27 лет Пост унаследовала компанию General Foods Corporation. В 1937—1938 годах она вместе со своим третьим мужем Джозефом Дэвисом жила в Москве, где он служил послом Соединенных Штатов в Советском Союзе (1936—1938). Живя в Москве, она начала собирать русскую коллекцию — покупала антиквариат, картины, иконы, фарфор в городах СССР. «За особые дипломатические услуги» Девисы принимали в дар от советского правительства музейные экспонаты, в том числе предметы, принадлежавшие царской семье. Так, во время посещения Музея керамики в Кусково мадам Дэвис вручили парные дворцовые вазы Императорского фарфорового завода эпохи Николая I. В 1937 году Джозеф Дэвис вывез в Вашингтон свою коллекцию русского искусства. В 1955 году Пост приобрела поместье Хиллвуд, где она разместила свою коллекцию. Пост продолжала пополнять свою коллекцию, покупать русское искусство на Западе у частных владельцев, в галереях и на аукционах. К 1973 году коллекция увеличилась почти в пять раз. В 1977 г, после смерти Марджори Пост, согласно ее воле, Хиллвуд был открыт для публики как музей для демонстрации ее обширной коллекции французского и русского искусства. «Марджи бесстрашно и без охраны ходит всюду — по торгсинам, забирается даже в разрушенные церкви в поисках шедевров. Вот что такое страсть! Я никогда не пойму страну, где шедевры можно найти даже в развалах». (из письма Девис своему брату, 1937 г.) 🗺️ Далёкое–близкое

Наталия ГОНЧАРОВА (1881–1962) «Три молодые женщины» (Three Young Women), 1920 🇬🇧 Британская галерея Тейт (Великобритания, Лондон) Техника: Масло на холсте Размеры:  101,9 x 68,3 см Источник поступления: дар Евгения Молло в 1953 Подпись: «Н. Гончарова. 91.»; на обороте «Осень. Н. Гончарова. МОСКВА. Трехпрудный переулок дом 2 7» В настоящее время не экспонируется ⚓ Провенанс ???: приобретено Евгением Молло у Н. Гонаровой. 1953: дар Евгения Молло Британской галереи Тейт. Описание Картина была написана в августе 1910 года и выставлена в Обществе свободной эстетики в Москве в 1911 году под названием «Осенний парк», затем была включена в совместную выставку с Ларионовым в галерее Поля Гийома в Париже в июне 1914 года под названием «В парке (1910)». «Три полуростовые женские фигуры, игра солнечного света и отражения песчаной тропинки (желтовато-оранжевые и оранжево-красные) и т. д. В этом сочетании движущиеся формы света, видимые между твердыми фигурами, рассматриваются как неподвижные, подобно формам листьев, формам стволов деревьев, стилизованным формам отраженного света — это одна из форм лучистого искусства. В результате получается чисто живописная игра, и эффект, производимый этим сопоставлением, учитывается.» (из письма Н. Гончаровой, 18 февраля 1954 г.) → О том, как Евгений Молло создал свою коллекцию 🗺️ Далёкое–близкое

Марк ШАГАЛ (1887–1985) «Автопортрет», 1968 🇮🇹 Галерея Уффици (Флоренция, Италия) Техника: Холст, масло Размеры: 70,5 х 62,5 см Источник поступления: заказ Флорентийской академии художеств для галереи Уффици Описание Марк Шагал стал четвертым русским художником, чей «Автопортрет» был заказан галереей Уффици для своеобразного «зала славы» – автопортретов самых важных художников мира, начиная с XIV века по настоящее время. (Среди 250 портретов, составляющих эту уникальную коллекцию, есть также автопортреты Ореста Кипренского, Ивана Айвазовского и Бориса Кустодиева). «Автопортрет» Шагала включает самые дорогие художнику мотивы и самые часто встречающиеся образы – символы. Все его чувства и привязанности предъявлены и образуют нерасторжимое целое. Любовь к жене Белле неотделима от его преданности живописи; укорененность в русской культуре соседствует с приятием его второй родины. Здесь праздничный русский петух прекрасно чувствует себя на фоне неяркого, но драгоценного городского ландшафта Парижа с башнями-близнецами собора Нотр-Дам и мостами через Сену. Тут небо – едино и бесконечно: его живой и светящийся воздух вибрирует, а солнце сливается с месяцем. 17 апреля 2019 года – уже через два дня после того, как загорелся Нотр-Дам, Галерея Уффици разместила на первом этаже перед входом в свой зал славы «Автопортрет» Шагала – в знак солидарности с пострадавшим от пожара великим памятником архитектуры. «О, вот бы оседлать каменную химеру Нотр-Дама, обхватить ее руками и ногами да полететь! Подо мной Париж! Мой второй Витебск!» (Марк Шагал, «Моя жизнь») → Об автопортрете Кустодиева в галерее Уффицы 🗺️ Далёкое–близкое

Валентин Серов (1865–1911) «Портрет Марии Цетлиной», 1910 г 🇮🇱 Музей Русского искусства в Рамат-Гане (Рамат-Ган, Израиль) (до 2014 г.) Техника: Масло, темпера, дерево Размеры: 109 × 74 см Источник поступления: дар Марии Цетлин в 1959 г. ⚓ Провенанс До 1959: коллекция Марии и Михаила Цетлиных. В 1959: Мария Цетлина передала Государству Израиль свою коллекцию произведений искусства (в рамках благотворительного проекта создания славянского отдела в Национальной библиотеке в Иерусалиме). В 1996: передана в Музей русского искусства в Рамат-Гане. В 2014: продана мэрией Рамат-Гана на аукционе Christie's в Лондоне. Описание По воспоминаниям Марии Цетлиной (1882-1976), инициатива написания ее портрета исходила от самого В. Серова, который впервые увидел ее в обществе будущего мужа и его родителей в парижском ресторане Prunier возле площади Мадлен. В октябре 1910 года Валентин Серов приехал в Биарриц (Франция) на семейную виллу Цетлин, чтобы написать портрет Марии Самойловны. Над портретом художник работал на протяжении четырех–пяти недель, с перерывом на неделю. После окончания работы Серов сразу покинул виллу и, уже сидя в вагоне поезда, сокрушался, что в портрете хорошо бы исправить отдельные детали. «Моему мужу очень хотелось, чтоб мой портрет был написан Серовым. /…/ Родившегося вскоре после его (Серова) смерти сына мы — в память о нем — назвали Валентином». (Из писем Марии Самойловны Цетлиной, опубликованных Ильей Зильберштейном в сборнике материалов о В.А. Серове в 1971 году). «Этот портрет до того сильный, точно это не живопись, а скульптура. Серов не только пишет лицо, — он разоблачает подноготную души». (Николай Эфрос, Московская пестрядь. Герои недели // Одесские новости. 1911) В ивритской прессе картину Валентина Серова назвали «Мона Лиза из Рамат-Гана». 🗺️ Далёкое–близкое

Василий КАНДИНСКИЙ (1866–1944) «Красочная жизнь», 1907 🇩🇪 Городская галерея в доме Ленбаха (Ленбаххаус) (Германия, Мюнхен) Техника: Холст, темпера Размеры: 130 × 162,5 см Источник поступления: дар Фонда Габриэле Мюнтер, 1957 Описание Начиная с этнографических экспедиций в Вологодской губернии, Кандинский увлекся миром русской глуши: люди «были одеты в яркую и красочную одежду, так что выглядели как двуногие движущиеся картинки». Картина наполнена множеством персонажей, многих из которых мы увидим в других работах художника: стремительно скачущий рыцарь с мечом; влюбленная пара, не обращающая внимания на окружающих; и схимник; и путник; и пастушок; и мать и дитя; и гребцы, рассекающие темную воду веслами; и лучник, готовый выпустить стрелу; а также мрачные похороны и так далее. Так же, как и на картине «Пара на лошади», написанной годом ранее, река служит преградой, а за ней возвышается великолепный город как символ будущего, чего-то манящего и прекрасного, к чему нужно стремиться. «В картине "Красочная жизнь", где меня захватила задача создания сочетания масс, пятен и линий, я использовал панорамный вид с высоты птичьего полета, чтобы расположить фигуры одну за другой». (В. Кандинский, лекция в Кёльне, 1914) Ленбаххаус — вилла, принадлежавшая выдающемуся немецкому портретисту Францу фон Ленбаху, которая после смерти художника была переоборудована в галерею, где в основном выставлялись картины Ленбаха. В 1957 году Габриэль Мюнтер подарила галерее почти тысячу работ группы «Синий всадник». Среди них было 90 картин, более 300 рисунков, акварелей и эскизов Кандинского. Во время войны она спрятала сокровища в подвале своего дома в Мурнау, что представляло немалую опасность в свете фашистских преследований авангардного искусства. Благодаря её драгоценному дару Ленбаххаус стал музеем мирового класса. → О картине В. Кандинского «Пара на лошади» 🗺️ Далёкое–близкое

Михаил ВЕРБОВ (Мишель Александр Вербофф) (1896–1996) «Хакобо Фитц-Джеймс Стюарт, XVII герцог де Альба», 1951 🇪🇸 Национальный музей Прадо (Испания, Мадрид) Техника: Доска, масло Размеры: 77 × 63 см Источник поступления: дар Мишеля Александра Вербоффа, 1960 Подпись: вверху справа: Werboff 1951 Madrid  Описание Михаил Вербов – один из талантливых учеников Ильи Репина, который провёл с учителем лето 1916 года в Финляндии. Во время русской революции он был ранен в Туркестане, где жил с 1918 по 1921 год. В 1924 году он переехал в Париж и специализировался на портретной живописи. В 1933 году он поселился в Соединенных Штатах, где стал вице-президентом Лиги американских профессиональных художников. Хакобо Фитц-Джеймс Стюарт — испанский аристократ и гранд, 17-й герцог Альба, дипломат, политик и коллекционер произведений искусства, первый президент музея Прадо. На портрете герцог в парадном мундире; на голубой орденской ленте – главная награда за выдающиеся заслуги – Большой крест испанского ордена Карла III. Чуть выше на отдельной ажурной золотой цепи с крупными сапфирами – орден Золотого руна (с висящим маленьким барашком). Под стоячим воротником – медали Королевской Испанской академии, Королевской академии истории и Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо. На груди — Крест Ордена Калатравы, Большой Крест ордена Почетного легиона (Франция), знак Королевской кавалерийской армейской палаты Севильи и знак Рыцаря Большого Креста Королевского Викторианского Ордена (Соединенное Королевство Великобритании). На горизонтальной булавке — три медали: Золотая медаль Альфонсо XIII, Памятная медаль Пфальца и Коронационная медаль 1902 года. Хакобо Фитц‑Джеймс Стюарт, будучи президентом музея Прадо, мог позировать в мантии Королевских академий (в пышном одеянии с пелериной и кружевными манжетами), но выбрал парадный военный мундир. А с вашей точки зрения, что лучше подчеркнёт аристократизм и многочисленные заслуги герцога? ❤️ — мантия Королевских академий 👍 — парадный военный мундир 🗺️ Далёкое–близкое

Василий ПЕРОВ (1834–1882) «Голова мужчины», ок. 1870 🇺🇲 Метрополитен-музей (США, Нью-Йорк) Техника: Холст, масло Размеры: 53 x 35,2 см Источник поступления: Завещание Мэри Джейн Дастич в память о её муже, генерале Фрэнке Дастиче, 1975 г. Подпись: вверху справа: В.Г. Перов. В настоящее время не экспонируется Описание Суровый облик героя картины — нахмуренные брови, растрёпанные волосы, густая борода — хранит тайну его личности. В этом есть отзвук непростой судьбы самого художника: рождённый вне брака, он не получил ни имени, ни фамилии отца. Имя ему дал крестивший его дьячок, а фамилия возникла из детского прозвища. Как сын барона, Перов, конечно, получил хорошее образование. Один из учителей, восхищавшийся его красивым почерком, прозвал его Перовым. Это меткое прозвище в дальнейшем стало и его фамилией. «Я жил за границей почти два года. /…/ Незнание характера и нравственной жизни народа делают невозможным довести до конца ни одной из моих работ /…/ Тратить на изучение чужой страны несколько лет я нахожу менее полезным, чем изучить и разработать бесчисленное богатство сюжетов как городской, так и сельской жизни нашего отечества» (из прошения В. Перова к Академии художеств, Париж, 1868) 🗺️ Далёкое–близкое

Илья Репин (1844–1930) «Автопортрет за работой» , 1915 г. 🇨🇿 Национальная галерея Праги (Чехия, Прага) Техника: Масло на холсте Размеры: 125×94 см В настоящее время не экспонируется Описание Автопортрет был написан по заказу Игоря Грабаря (директора Третьяковской галереи), но галерея не приобрела его. Впоследствии картина оказалась в Чехословакии. На автопортрете видна специальная палитра, закрепленная у пояса, — её Репин специально заказал для работы. Эта конструкция давала художнику возможность продолжать работать и освободить больную руку от нагрузки (не допустимую при развившейся болезни частичной атрофии мышц). «И вот он стоит предо мною – небольшого роста, с улыбающимся, крепким, обветренным стариковским лицом, с прищуренным правым глазом, в черной шинельке с накидкой, в самых обыкновенных вязаных деревенских /…/ варежках, совсем простой, даже как будто застенчивый, будто и не знает, что он – Репин.» (Корней Чуковский, «Воспоминания о Илье Репине») 🗺️ Далёкое–близкое

Марк ШАГАЛ (1887–1985) «В Россию с ослами и прочими (A la Russie, aux ânes et aux autres)», 1911-1912 🇨🇵 Национальный музей современного искусства (Париж, Франция) Техника: Холст, масло Размеры: 157 x 122 см Источник поступления: дар автора в 1953 Подпись: Шагал, 1911. Париж. Картина «В Россию – с ослами и прочими» / «России, ослам и другим» была одной из первых картин, написанных Шагалом по приезде в Париж. Впервые она была показана в Салоне Независимых в 1912 году под авторским названием «Тетушка в небе». Увидев ее на выставке, знаменитый и очень авторитетный в парижской творческой среде писатель и поэт Блез Сандрар, предложил другое название: «России, ослам и другим», которое и закрепилось за ней. Новое название изменило залог художественного высказывания, придав ему монументальность, превратив личные воспоминания – в послание своей родине. На картине – маленький провинциальный городок – с домиками и церковкой; летний ночной пейзаж – еще не рассвело… по небу передвигается грубоватая женская фигура с ведерком в руке (пора доить корову!) и с буквально отлетевшей (видимо, ещё не проснувшейся до конца) головой «тётушки». На крыше дома – розовато-рыжая корова (любимый образ Шагала – один из символов его большой и малой родины) уже кормит сразу двоих детенышей – человеческого и коровьего. Ну чем не русский фольклорный парафраз на Капитолийскую волчицу, вскормившую основателей Рима – Ромула и Рема? Картина очень понравилась французскому кругу друзей Шагала. Поэтому через год он будет цитировать её в своем знаменитом «Автопортрете с семью пальцами». «Мое искусство коренится в витебской почве, но мне нужен был Париж, как дереву нужна вода». (Марк Шагал, «Моя жизнь») 🗺️ Далёкое–близкое

Борис Кустодиев (1878—1927) «Автопортрет», 1912 🇮🇹 Галерея Уффици (Флоренция, Италия) Техника: Картон, темпера, гуашь Размеры: 100 × 85 см Источник поступления: получено в дар от Б. Кустодиева Подпись: справа внизу: Б. Кустодиев 1912 Описание В 1910 г. с просьбой о создании автопортрета к Кустодиеву обратился министр народного просвещения Италии Луиджи Кредаро: «Мы хотим пополнить нашу галерею автопортретов великих художников произведением ныне живущего большого художника». Кустодиев стал третьим русским художником (вслед за Орестом Кипренским и Иваном Айвазовским), чей автопортрет был принят в семью автопортретов великих художников – своеобразный «Зал славы», придуманный ещё в XVII веке кардиналом Леопольдо Медичи. После выставки в Дрездене в мае 1913 года, Кустодиев официально подарил картину в «Галерею автопортретов» музея Уффици. На автопортрете Кустодиев изобразил себя в истинно русском «купеческом» стиле: он тоже «в шубе», как и Федор Шаляпин на парадном портрете его же кисти. Художник стоит на открытой высокой террасе на фоне зимней панорамы Троице-Сергиевой лавры, с ее узнаваемой и очень праздничной архитектурой (Пятницкой башней из красного кирпича; пятиглавым Успенским собором со звездами на куполах; ярко-синей луковкой Троицкого собора), с её ярмарочным духом на территории монастыря (спешащими людьми, лошадиными повозками)… Смысл автопортрета – в художественной декларации: «Я – русский. Русская провинциальная культура и традиционный быт – это и есть моя Родина». "В 1924 году покинули Ленинград Добужинские. Сомов поехал за границу сопровождать нашу выставку и не возвратился. Предложили и Кустодиеву ехать... Папа даже побледнел от возмущения: “Я – русский, и как бы трудно нам всем сейчас здесь ни было, я никогда не покину свою Родину!” (Из воспоминаний дочери Ирины Кустодиевой) → Об автопортрете Айвазовского в галерее Уффицы 🗺️ Далёкое–близкое

Карл БРЮЛЛОВ (1799–1852) «Итальянское утро», 1823 🇩🇪 Кунстхалле Киля (Германия, Киль) Техника: Холст, масло Размеры: 65 × 56 см Источник поступления: покупка, 1986 г. Подпись: внизу справа: Roma 1824/C P de Brullov ⚓ Провенанс 1825-1855: император Николай I, Санкт-Петербург, получено от художника в дар Обществу содействия искусству 1869-1892: королева Ольга Вюртембергская (дочь императора Николая I и императрицы Александры Фёдоровны), замок Фридрихсхафен 1892-1912: герцогиня Вера Вюртембергская, вилла Берг, Штутгарт, унаследовано от королевы Ольги Вюртембергской 1912-???: герцогиня Эльза Матильда Мария и герцогиня Ольга Александра Мария Вюртембергская, унаследовано от герцогини Веры Вюртембергской 1963: Художественный и аукционный дом Германа Комбе, Штутгарт, аукцион, из «ранее королевской собственности» 1963-1975: Георг Шефер, Швайнфурт, приобретено у Германа Комбе 1975-1986: Коллекция Георга Шефера (наследники), Старый замок Оббах, Эвербах 1986: Художественная галерея Киля, приобретено за 25 000 немецких марок из Коллекции Георга Шефера (наследники) на средства из Культурного фонда земли Шлезвиг-Гольштейн Описание Нет, это не нимфа, это оживший в девушке из народа античный идеал абсолютной красоты – красоты самой молодости, которую художник сюжетно и буквально связал с мотивом чистоты. Мы видим девушку за интимным утренним туалетом: она умывается, набирая в пригоршню воду из фонтанчика. Крошечная сережка – в алом и прозрачном от солнечных лучей ухе - лишь подчеркивает то, что ей не нужны дорогие украшения. Украшениями для нее служит прямой пробор и туго заплетенные в косы черные волосы, уложенные на затылке корзинкой; сияющая в естественном солнечном свете кожа, нежные очертания лица и фигуры. В этом портрете всё – абсолютная классическая красота, и одновременно – прорыв в будущее – вперёд, к импрессионистам. Художник пишет модель на пленэре: она окутана естественным солнечным светом, сияние которого мы видим на ее бархатной коже. Более того: художник выбирает простой мотив и непритязательную интимную сценку, в которой девушку как бы застали врасплох: она даже не поднимает глаз, продолжая умываться. Казалось бы: вот где место для критики. Однако очарование ожившей классики было так велико, что картина понравилась всем без исключения: итальянским экспертам, профессорам Петербургской Академии художеств, членам «Общества поощрения художников», императору Николаю I и его супруге Александре Федоровне, чей будуар «Итальянское утро» будет украшать долгие годы. Императорская чета была под таким сильным впечатлением от картины, что Карл Брюллов получил заказ на парную работу, которая будет написана через несколько лет. Эту вторую картину художник назовёт «Итальянский полдень», что будет читаться не только как время суток, но и как период жизни женщины. Тут так же будет пленэр и солнечный свет, но теперь еще и изобильный прозрачный виноград. Однако главное: здесь прежняя красота юной девушки уступит место другой красоте – красоте зрелой молодой женщины, что было очень далеко от античных идеалов. И это настолько же тотально не понравится всем, кто увидит картину, как когда-то всем понравилось «Итальянское утро». Но это – совсем другая история. «Я освещал модель на солнце, предположив освещение сзади, так что лицо и грудь в тени и рефлектируются от фонтана, освещенного солнцем, что делает все тени гораздо приятнее в сравнении с простым освещением окна». (из воспоминаний К. Брюллова) → О картине К. Брюллова «Портрет Матвея Виельгорского» 🗺️ Далёкое–близкое