Публикации канала «Далёкое–близкое | Русское искусство за рубежом»

Зинаида СЕРЕБРЯКОВА (1884—1967) «Серебрякова Катя с натюрмортом», 1923 🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республика Беларусь, Минск) Техника: Холст, масло Размеры: 101 × 76 см Подпись: внизу справа: 1923, З. Серебрякова Описание На картине изображена младшая дочь художницы — 10‑летняя Катя (Екатерина Борисовна Серебрякова). Девочка непринуждённо облокотилась на кухонный стол; она отвлеклась от яблока, которое держит в руках вместе с десертным ножом, и с радостным любопытством смотрит на того, кто входит на кухню, сияя своими огромными темными глазами. На столе — изобилие земных даров: свежие щуки, цветная и краснокочанная капуста, редис, мандарины. Кажется, что перед нами сцена абсолютного домашнего благополучия, однако за этой идиллией скрывается одна из самых драматичных человеческих судеб XX века. Катя родилась в 1913 году в родовом имении Нескучное. Её детство закончилось внезапно: революция, сожжённая усадьба, бегство в Харьков и страшная трагедия — в 1919 году от сыпного тифа умер её отец, Борис Серебряков. Зинаида Евгеньевна осталась одна с четырьмя детьми и больной матерью, без каких‑либо средств к существованию. В 1920 году семья переехала в Петроград. Именно там, в холодной и скудно обставленной квартире, и была написана эта картина. Поразительно, как в условиях разрухи Зинаида Серебрякова умудрялась создавать настолько живые, сочные и жизнеутверждающие произведения, выискивая на рынках яркие овощи и рыбу ради искусства. В 1924 году Зинаида Серебрякова уехала в Париж в надежде организовать выставку-продажу своих работ и заработать денег. Она была уверена, что это временная разлука с семьей, но опустился «железный занавес». Семья оказалась трагически расколота надвое: старшие дети – Евгений и Татьяна навсегда останутся в СССР, а младшим детям – Александру и Кате позже помогут вырваться к матери во Францию. С оставшимися в России детьми художница сможет встретиться лишь спустя долгие 36 лет. Приехав в Париж 15‑летней девочкой, Катя взяла управление домом на себя. Зинаида Евгеньевна была совершенно не приспособлена к быту, часто впадала в депрессию и не умела продавать свои работы. Катя взяла на себя абсолютно всё: ведение хозяйства, стирку, готовку, финансовые дела и переговоры с заказчиками. Она и сама была невероятно одаренным человеком. Вместе с братом Александром Екатерина создавала уникальные, филигранные макеты исторических интерьеров (шкатулки‑панорамы), которые заказывали богатые европейские меценаты. Кроме того, она писала тончайшие, воздушные акварельные пейзажи и цветочные натюрморты. Но её главным шедевром стала забота о матери. Екатерина Борисовна Серебрякова прожила удивительную и долгую жизнь. Она так и не вышла замуж, до последних дней оставаясь хранительницей семейного наследия. Екатерина Борисовна основала Фонд Зинаиды Серебряковой в Париже, бережно сохранила её мастерскую, личные вещи и письма, а также помогла вернуть имя своей великой матери на родину. Маленькая девочка с картины, чистящая яблоко в голодном Петрограде, ушла из жизни в Париже в августе 2014 года. Ей был 101 год. 🗺️ Далёкое–близкое

Николай НЕВРЕВ (1830–1904) «Дед Василий», 1858 🚩 Частная коллекция Техника: Холст, масло «Очень культурный художник, хороший рисовальщик, свободно широко писал. Мы, ученики, все его любили... первым делом начинал поправлять рисунок головы кистью и мог это делать легко и увлекался, давая рельеф лица, строго следя за типом, и сейчас же брал цвет написанного платья у сидящей натуры, приговаривая: нельзя в отдельности писать платье, а нужно единовременно брать силу тона лица и платья, чтобы одно другого не убивало...» (В. Бялыницкий-Бируля, ученик Николая Неврева) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай НЕВРЕВ (1830–1904) «Увещевание», 1893 🇰🇿 Государственный музей искусств Казахстана имени А. Кастеева (Казахстан, Алматы) Техника: Холст, масло Описание Николай Неврев, будучи художником периода расцвета товарищества передвижников, всегда умел филигранно, без лишнего пафоса показать «маленькие трагедии» обычных людей. «Увещевание» — переломный момент в жизни молодой купеческой или мещанской пары. Семья разрушается: взаимные обиды достигли пика, и супруги оказались на грани развода. Но в Российской империи конца XIX века расторгнуть брак было делом титанической сложности. Первой инстанцией на пути к примирению (или официальной тяжбе) всегда становился приходской батюшка. Молодая женщина вскочила со стула. Она буквально кипит от гнева и обиды. Вся её поза — натянутая струна. Она крепко сжимает зонтик, словно оружие, и отворачивает лицо. Ей не нужны эти разговоры, она хочет немедленно уйти. Муж (который явно является виновником создавшейся ситуации и решения жены развестись) сидит в довольно напряженной позе, не сняв перчаток и придерживая шляпу, и ждет исхода ситуации. Он явно не намерен разводиться. В его взгляде нет раскаяния или признания вины, скорее – надежда на вмешательство батюшки и на положительный исход ситуации. Седовласый священник, находящийся в центре событий, стоит за столом, и буквально связывает супругов собой: его руки мягко, но настойчиво легли на их руки. Батюшка не ругает, он увещевает — пытается достучаться до сердец, напоминая о данных клятвах. Удалось ли батюшке спасти этот брак? Глядя на непримиримое лицо героини, кажется, что трещина слишком глубока. «Первое для меня как в жизни, так и в искусстве — это правда. Ложь ненавижу. Да и фамилия моя от начала не врать». (из письма Н. Неврева критику А. Прахову, 15 декабря 1875) 🗺️ Далёкое–близкое

Иван БИЛИБИН (1876–1942) «Малый Китеж на Волге», 1929 (Эскиз декорации ко второму действию оперы Николая Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии») 🚩 Частная коллекция Техника: Бумага, акварель, карандаш Размеры: 30 × 45.5 см «И нам, ревнителям искусства, остается только собрать бережно то, что осталось от прежнего народного творчества, и доказать <...> что народное творчество — душа народа и его сила и гордость, что оно не раз спасало и объединяло народ, когда, казалось, он бывал в предсмертной агонии...». (И. Билибин, статья «Народное творчество русского Севера», 1904) 🗺️ Далёкое–близкое

Иван БИЛИБИН (1876–1942) «Меню царского ужина» от 28 марта 1910 года 🚩 Частная коллекция Техника: Бумага, позолота, цветная тушь Размеры: 49,5 x 19,5 см Описание Очень редкое и богато украшенное Царское меню.  В верхней части изображен двуглавый орел с коронами. На груди двуглавого орла – щиток с изображением святого Георгия на коне, поражающего копьём дракона, что  было частью государственного герба Российской империи.  В центре – само Меню ужина, где перечислено всё, что предполагалось подать царю и его гостям: «томатный консоме, различные пироги, лобстер, провансальский соус, отбивные из молодого ягненка, индейки и дроздов, салат, мороженое с ананасом». Меню написано фантастически красивым рисованным шрифтом-почерком.  Билибин не разрабатывал наборные гарнитуры, которые потом отливались в металле и существовали как готовые шрифты; все его «шрифты» — это леттеринг: от руки нарисованная рукописная часть текстов даже больших сказок. Билибин делал разный леттеринг под конкретные задачи и издания на основе изучения древнерусских рукописей, написанных уставом и полууставом. Он изучал и использовал также скоропись допетровских документов. «Шрифт» данного меню – это синтез полуустава и скорописи, фигурные росчерки которой использованы в оформлении не только заглавных, но и рядовых строчных букв. Но, конечно, в его воздушных очертаниях чувствуется влияние эстетики модерн, доминирующей среди членов объединения «Мир искусства». В нижней части оформления Меню – геральдический грифон с мечом и щитом, который венчает Мировое (оно же – династическое) дерево – символ охраны государственной казны и сокровищ. На ствол Мирового дерева с двух сторон опираются львы, символизирующие власть и могущество династии. Процветшие  хвосты львов и узорочье растительного орнамента вокруг отсылают к декору белокаменных храмов Владимиро-Суздальского княжества – к Дмитриевскому собору во Владимире, XII века (с обилием звериных и растительных мотивов в каменной резьбе) и к Георгиевскому собору в Юрьеве-Польском, XIII века (где львы изображены в самых разных позах). Билибин был истинным знатоком памятников древнерусской культуры. Судя по всему, данное Меню – самое раннее из трех, разработанных Билибиным. Кроме него, сохранились Меню 1912 года и 1913 года (посвященное 300-летию правления Романовых). Интересно также отметить, что дизайн данного Меню был повторно использован Билибиным три года спустя для программы благотворительного концерта, состоявшегося в Ялте 24 сентября 1913 года. Этот торжественный ужин, состоявшийся в воскресенье, 28 марта 1910 года, в императорской резиденции Царское Село, был посвящен созданию Объединенного пехотного полка Его Императорского Величества 29 лет назад. Царь Николай II в тот день записал в своем дневнике:  «В 11 часов я пошел с Дмитрием в манеж на праздник Объединенного пехотного полка. Он явился в полном составе, 8 частей – великолепно. Позавтракал в Круглом зале с офицерами, их женами и теми, кто служил раньше. Мама тоже была там и ушла в 6 часов […] В 11 часов я пошел обедать в Объединенный полк. После этого Плевицкая пела русские песни, которые мне очень понравились. В антракте играли румыны под руководством Леонардо. Но наибольший успех имел певец. Я вернулся домой около 6 часов». 🗺️ Далёкое–близкое

Иван ШИШКИН (1832–1898) «Сухостой. Беловежская пуща», 1892 🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республики Беларусь, Минск) Техника: картон, масло Размеры: 28,4 × 43,4 см «В художественной деятельности, в изучении натуры, никогда нельзя поставить точку, нельзя сказать, что выучил это вполне, основательно, и что больше учиться не надо; изученное хорошо только до поры до времени, а после впечатления бледнеют, и, не справляясь постоянно с натурой, художник сам не заметит, как уйдет от правды». (И. Шишкин) 🗺️ Далёкое–близкое

Возможно, вы захотите на Новый год подарить себе, друзьям или коллегам что-то небанальное? Творческий стаж автора 35 лет; 5 выставок; более 130 продаж в 7 стран мира. В новогодней распродаже участвуют восемь картин. Бережная доставка по России. Выбирайте картину, которая сделает ваш дом действительно вашим. Андерграунд — наше всё!

Иван ШИШКИН (1832–1898) «Лопухи», конец 1880-х гг. 🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республики Беларусь, Минск) Техника: Холст, масло Размеры: 37 × 24 см Подпись: внизу слева: И. Шишкин, Полесье Описание Диапазон интереса к природе в творчестве Ивана Ивановича Шишкина поражает. Большеформатные и монументальные, эпические по силе воздействия на зрителя картины: «Утро в сосновом бору», «Рожь», «Корабельная роща» – сосуществуют с небольшими холстами и картонами, героями которых являются лопухи и травы, написанные с живописным темпераментом и одновременно – со скрупулезным вниманием ученого-ботаника. «Уголок заросшего сада. Сныть-трава» (1884) и «Сныть-трава. Парголово» (1884/1885), «Травки» (1892) и, наконец, «Лопухи» (конец 1880-х) – подтверждают, что интерес Шишкина к растениям носил не только эстетический, но и естественно-научный характер. Это был не просто интерес художника  к декоративной стороне – к цвету и форме листьев, – его интересовала сама среда обитания растений: особенности почвы, своеобразие рельефа, характер освещения. Знаменитая акварель Альбрехта Дюрера, которую все называют «Травы» (её название в каталоге: «Большой кусок дёрна», 1503), а также «Растения у стены» (лопухи!) Джона Констебля (1820-е гг.) – знаменитые предшественники «Лопухов» Ивана Шишкина. Во всех работах – низкая точка зрения, что позволяет приблизить и рассмотреть этот уникальный мир, который у Уолта Уитмена называется «Листья травы». Но если и у Дюрера, и у Констебля свет на растения падает сбоку (у первого справа, у второго слева), что помогает показать форму и объем листьев подорожника и лопуха, но невольно подчеркивает линеарность изображения, то у Шишкина свет на его траву падает прямо и сверху. Свет льется мощным потоком, и лопухи сразу теряют характер ботанически точного рисунка и становятся живыми и шероховатыми со своими пыльными и дырявыми, согнутыми и перекрученными листьями. Лопухи прогреты солнцем, от них буквально исходит летнее тепло, и художник усиливает этот эффект, помещая рядом с  ними многослойную золотисто-красноватую путаницу из сломанных и подгнивших стеблей и корешков каких-то неведомых уже растений. В результате у Шишкина получился настоящий портрет (почти как у Валентина Серова в это же время): «Портрет лопуха, освещенного солнцем». 🗺️ Далёкое–близкое

Василий ПЕРОВ (1834–1882) «Очередь у бассейна», 1865 🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республики Беларусь, Минск) Техника: Холст, масло Размеры: 49,5 х 61 см «Чтобы быть вполне художником, нужно быть творцом; а чтобы быть творцом, нужно изучать жизнь, нужно воспитать ум и сердце, воспитать не изучением казенных натурщиков, а неусыпной наблюдательностью и упражнением в воспроизведении типов и им присущих наклонностей… Этим изучением нужно так настроить чувствительность воспринимать впечатления, чтобы ни один предмет не пронесся мимо вас, не отразившись в вас, как в чистом, правильном зеркале… Художник должен быть поэт, мечтатель, а главное – неусыпный труженик… ». (В. Перов, из рассказа «Наши учителя») 🗺️ Далёкое–близкое

Василий ПЕРОВ (1834–1882) «Портрет Елены Эдмундовны Шейнс (Перовой)», 1868 🇧🇾 Национальный художественный музей Республики Беларусь Техника: Холст, масло Размеры: 57 х 46 см Статус: портрет не окончен Описание Василий Перов познакомился с Еленой Шейнс (племянницей профессора Резанова) в 1862 году. В этом же году она стала женой Перова. Женитьба художника совпала по времени с его трехлетней пенсионерской поездкой за границу, куда он отправился вместе с женой в конце этого же года. Пробыв в Германии и Франции неполных два года, Перов попросил позволения у Совета Академии художеств вернуться на родину досрочно, следуя традиции, уже сложившейся у пенсионеров-шестидесятников, тяготившихся пребыванием за границей. Осенью 1864 года Перовы вернулись в Россию и поселились в доме профессора Резанова. Жизнь художника складывалась удачно: он набирал известность, его картины охотно покупали. Его ключевые работы пользовались успехом на Академической выставке 1867 года. Пять его картин были представлены на Всемирной выставке в Париже в 1867 году (среди них: «Проводы покойника», «Дилетант» и «Тройка»). Быт был устроен, любимая жена была единомышленницей и другом; в семье появились трое сыновей. Но в 1868 году, через 5 лет после свадьбы, Елена Эдмундовна умерла, оставив Перова с тремя маленькими детьми. Это стало для Перова тяжёлым ударом. Горе лишь усилилось спустя время: скончались двое его сыновей, в живых остался лишь младший сын Владимир. Именно в 1868 году, в год смерти Елены, Перов написал её портрет. Видимо, именно трагедия, случившаяся в семье, не дала художнику закончить портрет. Исследователи полагают, что Елена стала прообразом героини другой работы Перова — неоконченной картины «Приезд институтки к слепому отцу» (1870, Третьяковская галерея). В облике юной институтки угадываются черты, знакомые по портрету жены: в этом читается особая связь между полотнами и глубокая личная история мастера. 🗺️ Далёкое–близкое

Иван АЙВАЗОВСКИЙ (1817–1900) «Украинский пейзаж ночью», 1870 🚩 Частная коллекция Техника: Холст, масло Размеры: 75 х 93 см ⚓ Провенанс начало 1920-х: подарок от советского правительства Ахмету Мухтару, последнему османскому послу в России Далее по наследству перешел к нынешнему владельцу 2018: продано в аукционном доме Sotheby's (Лондон, Великобритания) «Сюжет складывается у меня в голове, как идея стихотворения у поэта. Я берусь за работу, но до тех пор не отхожу от полотна, пока полностью не выскажусь на нем...» (И. Айвазовский) 🗺️ Далёкое–близкое

Иван АЙВАЗОВСКИЙ (1817–1900) «Дом на ферме и мельница в лунном свете», 1863 🚩 Частная коллекция Техника: Холст, масло Размеры: 29.5 x 20 см Надпись: внизу справа: Айвазовский, 1863 Айвазовский в начале 60-х гг. был уже очень популярным художником и в России, и за рубежом. Ещё в 40-е годы, будучи совсем молодым, он был в Европе и видел все важные коллекции живописи. Был он и в Голландии, где экспонировал свои морские картины, получив за них звание академика. В Голландии он видел картины ведущего пейзажиста XVII века Якоба ван Рейсдаля. В Англии (куда Айвазовский поехал сразу после Голландии) он видел пейзажи художника 1/2 XIX века Джона Констебля. Обладая феноменальной зрительной памятью и сохранив на всю жизнь романтическое мировосприятие, Айвазовский пишет свой «Дом на ферме…» в духе голландского и английского пейзажей со всем характерным набором черт: с низким горизонтом, позволяющим оставить много места для неба, с композиционной диагональю, помогающей подчеркнуть пространственную глубину, с эффектным контрастом света и тени; с типичным набором мотивов (сельский дом; огромные деревья; мельница вдалеке; путники на дороге). Величие природы (высокого неба и облаков, а также большого дерева) подчеркивает незначительность размеров фигурок людей на дороге и у дома. Но при соблюдении всех жанровых признаков романтического пейзажа, Айвазовский сообщает ему то, что делает его уникальным. Он пишет ночной пейзаж при свете полной луны так, что получается и загадочно, и убедительно одновременно. Полная луна придает картине природы таинственность и создает контраст отчужденной и холодной природной среды и обжитой домашней, которая представлена домом с окошками, в которых горит теплый оранжевый свет. Когда Айвазовский пишет эту картину, ему 46 лет. Ивану Шишкину – ведущему русскому пейзажисту – 31 год. Шишкин в это время (конец 50-х- начало 60-х гг.) пишет в основном кудрявые высокие деревья в окрестностях Петербурга и Москвы с фигурками гуляющих дам и молодых людей. До его масштабных образов русского леса и русского поля придется подождать: «Рожь» появится через 15 лет, «Утро в сосновом лесу» – через 26 лет, а «Корабельная роща» – через 35. «Обаяние лунной ночи, нега ясного заката, ужас, нагоняемый на душу бурей или ураганом, – вот те чувства, которые вдохновляют меня, когда я пишу...» (И. Айвазовский) «Те картины, в которых главная сила — свет солнца, луны и проч., разумеется, надо считать лучшими». (И. Айвазовский) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай ЯРОШЕНКО (1846–1898) «В Сванетии», 1882 🇰🇬 Национальный музей изобразительных искусств им. Гапара Айтиева (Бишкек, Кыргызcтан) Техника: Холст, масло Размеры: 16 × 25 см «Год жизни дал бы, чтобы сейчас сидел тут Ярошенко, и поговорить с ним!» (Д. И. Менделеев, из воспоминаний о Николае Ярошенко) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай ЯРОШЕНКО (1846–1898) «Выгнали», 1883 🇺🇿 Государственный музей искусств Узбекистана (Ташкент, Узбекистан) Техника: Холст, масло Размеры: 141 × 75 см Описание Николая Ярошенко, который был художником-передвижником не только по членскому билету, но по особому  мировосприятию (можно назвать такое отношение к людям сострадательно-христианским), глубоко и искренне волновали судьбы людей из разных слоев населения. Он пишет осужденных в арестантском вагоне и заключенного;  кочегара и изгнанную из богатого дома горничную; спившегося старого служивого, группу слепых калек и стайку босоногих деревенских мальчишек; пишет сестру милосердия и умирающую от чахотки молодую женщину; курсистку и студента. Пишет всех людей очень достоверно, но всегда проникновенно и с большим сочувствием к их судьбе.  Судьба молодых девушек и женщин, работающих в богатых домах горничными, гувернантками, кухарками, была всегда под угрозой. Они часто подвергались  насилию со стороны мужской части купеческой семьи, где были совершенно бесправны. Поскольку они не были защищены законом, то  оказывались на улице, как эта молодая женщина, которую выставили за дверь вместе с ее жалким скарбом. Ситуация настолько безвыходная (учитывая еще и скорое рождение ребенка), что молодая женщина стоит в полном ступоре. От охватившего ее отчаяния (что делать? куда идти? где найти поддержку и помощь?) она закрыла глаза. Лицо дремлющего дворника с закрытыми глазами превращает сцену в метафору «кошмарного сна». Молодой женщине настолько плохо, что ей явно хочется не просыпаться…  «Н. А. Ярошенко... был как бы «совестью» художников, тогда как их «разумом» был И. Н. Крамской. Они в Товариществе передвижных выставок выгодно дополняли друг друга». (Михаил Нестеров. «Давние дни») 🗺️ Далёкое–близкое

Юлий КЛЕВЕР (1850−1924) «Речной пейзаж», 1896 🚩 Частная коллекция Техника: Холст, масло Размеры: 137,5 × 102,5 см «Г. Клевер уже давно пользовался заслуженной известностью отличного пейзажиста не только у нас, но и в чужих краях. Немножко пристрастный к сильным эффектам, немножко декоративный в приемах своей кисти, он всегда был удивительный, похожий только на самого себя, мастер обращать в привлекательную картину каждую изображаемую им местность, сильными и правдивыми красками разливать в ней свет и воздух, влагать в ее восприятие чарующую поэзию то тихой грусти, то праздничного веселья». (журнал «Художественные новости», 1890) 🗺️ Далёкое–близкое

Юлий КЛЕВЕР (1850−1924) «Вечерняя тишина», 1894 🇰🇿 Государственный музей искусств Казахстана имени А. Кастеева (Казахстан, Алматы) Техника: Холст, масло Размеры: 58 × 89 см Описание К 1894 году Юлий Клевер уже был признанным художником – академиком Императорской Академии художеств и одним из самых востребованных пейзажистов Российской империи. В этот период окончательно сформировался его уникальный, узнаваемый стиль — эффектный «Клеверовский пейзаж», для которого характерны яркие закаты, контрастное освещение и непременное присутствие старых деревьев или заброшенных мельниц. Пейзаж, который мы безошибочно характеризуем как романтический. В «Вечерней тишине» нет привычного для пейзажей Клевера полыхающего закатного неба, но есть мельница и романтический контраст между темными силуэтами старых деревьев и почти бесцветным небом. Здесь закат догорает скромной полоской на почти белёсом небе, которое отражается в реке. И уже сама эта скромная гамма с исчезающим на наших глазах цветовым акцентом, начинает формировать впечатление тишины и покоя. Гладь воды в реке - как зеркало. Это состояние покоя закрепляется изображением лодки, привязанной к колышку у берега. Лодка замерла, как и вода в реке. Обилие кувшинок с белыми цветочками на плоских округлых листьях образует неподвижную колонию. Всё притихло. Но распространившийся в природе покой не означает безжизненности. В небе - птицы. К домику, что стоит на берегу, ведет протоптанная тропинка. А из трубы идет полупрозрачный дым, окрашенный последними лучами солнца. «Вечерняя тишина» создавалась в то время, когда Клевер много путешествовал по центральной России, Прибалтике, Белоруссии и сделал огромное количество натурных этюдов, которые позже – уже в своей мастерской он будет использовать для создания собирательных образов поэтичного провинциального пейзажа. Произведения Клевера этого периода пользовались огромной популярностью у коллекционеров и раскупались мгновенно, часто прямо с мольберта. Картина «Вечерняя тишина» заняла достойное место сначала в частных коллекциях, а в советские годы – в рамках перераспределения музейных фондов – пополнила музейную коллекцию Алма-Аты. «Картины Клевера казались до того иллюзорными, что на выставках происходили настоящие скандалы. Посетители залезали за перегородку, дабы заглянуть за полотно и удостовериться, нет ли под этим „чудом“ какого-либо фокуса». (А. Бенуа) 🗺️ Далёкое–близкое

Владимир БОРОВИКОВСКИЙ (1757–1825) «Портрет адмирала графа Григория Григорьевича Кушелева с детьми», 1809 🚩 Частная коллекция Техника: Холст, масло Размеры: 122,5 x 95,7 см Полное название картины: Портрет адмирала графа Григория Григорьевича Кушелева (1754-1833) в парадном облачении ордена Святого Андрея, с бриллиантовым орденом Святого Андрея и ожерельем, орденом Мальты с бриллиантами и орденом Святой Анны и Александра Невского, с детьми Александром (1800-1855) и Григорием (1801-1855). Описание Адмирал граф Григорий Григорьевич Кушелев руководил русским флотом во время правления Павла I. Он приложил значительные усилия для совершенствования флота и собрал морские карты. Под его руководством в 1797 году был создан и опубликован новый устав флота. В 1800 году Кушелев был назначен главным директором Департамента водных путей и дорог. После восшествия на престол Александра I Кушелев был отстранен от управления и вернулся в свое имение в Пскове, редко посещая Санкт-Петербург. Он владел обширными земельными владениями, приобретенными во время правления Павла I. Состояние Кушелева увеличилось после его второго брака с графиней Любовью Ильиничной Безбородко (1783-1809). У него была одна дочь, Александра, от первого брака, вышедшая замуж за князя Алексея Александровича Лобанова-Ростовского, и два сына, Александр и Григорий, от второго брака. После ранней смерти своей второй жены граф Кушелев отдал сыновей на попечение её сестры, княгини Клеопатры Ильиничны Лобановой-Ростовской. Он изображен в мантии ордена Святого Андрея, которую получил в феврале 1799 года. Слева — бюст императора Павла I. На стене — картина его имения Краснополец в Псковской губернии. Судя по возрасту сыновей, можно предположить, что портрет был написан после смерти его жены Кушелевой, то есть после 1809 года. В Новгородском государственном объединенном музее-заповеднике хранится авторская реплика этого портрета, ошибочно датированная 1801 годом. 🗺️ Далёкое–близкое

Владимир БОРОВИКОВСКИЙ (1757–1825) «Портрет графини Любови Ильиничны Кушелевой с детьми», 1803 🚩 Частная коллекция Техника: Холст, масло Размеры: 96.6 × 77.7 см Полное название картины: Портрет графини Любови Ильиничны Кушелевой, урожденной Безбородко (1783-1809), с детьми Александром (1800-1855) и Григорием (1801-1855). Описание Любовь Ильинична Кушелева была дочерью графа Ильи Андреевича Безбородко от его брака с Анной Ивановной Ширяй. В апреле 1797 года, в день коронации Павла I, она стала фрейлиной императрицы Марии Федоровны. В 1799 году вместе со своей младшей сестрой Клеопатрой, которая впоследствии стала княгиней Лобановой-Ростовской, Любовь Ильинична стала наследницей огромного имения своего дяди, князя Александра Андреевича Безбородко (1747-1799). Она была самой богатой русской невестой своего времени; по самым скромным подсчетам, ее унаследованная доля личного имущества и недвижимости (без учета капитала) составляла более 10 миллионов рублей. 13 октября 1799 года, в возрасте шестнадцати лет, она вышла замуж за фаворита царя, сорокапятилетнего вдовца, графа Григория Григорьевича Кушелева (1754-1833). После восшествия на престол Александра I граф Кушелев удалился в своё имение, а Любовь Ильинична с детьми жила в своём доме в Санкт-Петербурге (ныне Кутузовская набережная, 6). По словам современников, графиня была красивой и грациозной женщиной, устраивавшей множество званых ужинов и элегантных приемов. После десяти лет замужества, в июле 1809 года, она умерла очень молодой и была похоронена на Лазаревском кладбище Александро-Невской лавры. В. Боровиковский изобразил И. Л. Кушелеву с сыновьями Александром и Григорием, будущим генерал-лейтенантом. В 1816 году старший из братьев в связи с прекращением действия титула Безбородко по мужской линии получил право использовать титул графа Кушелева-Безбородко. Бюст, на который опирается один из мальчиков, – скульптурный портрет дяди Кушелевой, канцлера А. А. Безбородко. 🗺️ Далёкое–близкое

Казимир МАЛЕВИЧ (1879–1935) «На бульваре», 1911 🇳🇱 Городской музей (Стеделик музеум) (Нидерланды, Амстердам) Техника: Бумага, гуашь Размеры: 72 × 71 см «Наша современность должна уяснить себе, что не жизнь будет содержанием искусства, а содержанием жизни должно быть искусство, ибо только с этим условием жизнь может быть прекрасной». К. Малевич, «Живопись в проблеме архитектуры», 1928 🗺️ Далёкое–близкое

Казимир МАЛЕВИЧ (1879–1935) «Утро после вьюги в деревне», 1912 🇺🇸 Музей Соломона Гуггенхайма (США, Нью-Йорк) Техника: Холст, масло Размеры: 80 × 80 см Описание Период 1910-х - 1920-х гг. XX века в Европе и России отмечен активными поисками новых путей в искусстве. Заявленные цели у художников разных стран и направлений звучали почти одинаково: обнаружить сокровенную духовную жизнь предметного мира и воплотить её в искусстве. В стремлении добраться до этой духовной сути, художники либо разлагали видимый мир на геометрические элементы, стараясь освободить предмет от внешней материальной формы (аналитический кубизм Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Хуана Гриса), либо искали правду жизни в области интенсивных цветовых сочетаний, считая цвет объединяющим началом окружающего мира и искусства (фовизм Анри Матисса, Андре Дерена, Мориса Вламинка, раннего Василия Кандинского). Казимир Малевич внимательно изучал работы Пикассо и Брака на выставках в Москве, но вряд ли именно этих художников можно считать основным источником его вдохновения. Скорее всего, и у них, и у него был один общий учитель – Поль Сезанн (1839–1906), который и в пейзажах, и в натюрмортах сумел показать структурное единство мира. Справедливости ради необходимо заметить, что на русской почве были собственные искания структурной общности и мироздания в целом, и каждого отдельного предмета. Михаил Врубель (1856 – 1910) воспринимал и само космическое пространство как систему кристаллов, и каждую розу или лилию – как абсолютное воплощение геометрического совершенства. Итак, Малевич пошел по пути работы с плоскостью и объёмами: его визуальный язык — геометрия. Его работа «Утро после вьюги в деревне» (1912) была написана за 3 года до «Черного квадрата» (1915) и за 10 лет до его знаменитого теоретического трактата «Супрематизм. Мир как беспредметность, или Вечный покой»(1922). В картине «Утро…» ещё сохраняется предметность, но она приведена к общему знаменателю – очищена от индивидуальных особенностей. Обладая прекрасным пространственным воображением, Малевич весь этот заснеженный деревенский пейзаж состыковывает из большого количества разномастных треугольников и трапеций со скругленными сторонами. Они плотно подогнаны друг к другу и ловко подкрашены с использованием цветовых растяжек: синим, черным и коричневым, красным, желтым и бордовым. Такое цветовое решение позволяет художнику и создать иллюзию объемов (домов с окошками и шарообразными дымами из труб, высоких деревьев с ветвями в снегу, огромных сугробов и узких проходов между ними, женских фигур в расклешенных юбках и головных платках с ведрами в руках), и не потерять общее впечатление белизны снега. Белизна как духовный смысл космического пространства станет вскоре одной из любимых идей в его теоретическом трактате. Посмотреть практическое воплощение идеи белизны в картине 1918 г. «Белое на белом» можно здесь: → О картине К. Малевича «Белое на белом» 🗺️ Далёкое–близкое