Публикации канала «Далёкое–близкое | Русское искусство за рубежом»

Николай РЕРИХ (1874–1947) «Гималаи (Канченджанга)», 1933 🇻🇦 Музеи Ватикана (Ватикан) Техника: Холст, темпера Размеры: 75 х 117 см Источник поступления: дар Н. Рериха, 1933 Подпись: внизу справа:  монограмма ⚓ Провенанс  1933: дар Н. Рериха Папе Пию XI 1940: передана в Музеи Ватикана 1990: передана на временное экспонирование в Пресс-службу Святого Престола Сегодня место нахождение не известно Описание В начале 1930-х гг. идея Н. Рериха об охране культурных сокровищ человечества (Пакт Рериха и Знамя Мира) получила широкую общественную поддержку. В начале 1933 г. сотрудники Французской Ассоциации друзей Музея Рериха и Европейского центра Музея Рериха в Париже высказали мысль о желательности подарка Папе Пию XI в виде оригинальной картины Н.К. Рериха. В качестве подарка рассматривали полотно «Святая Покровительница» (со Знаменем Мира) и пейзаж «Гималаи». Но кардинал Луиджи Мальоне выбрал для подарка именно пейзаж, объяснив увлечение Пий XI альпинизмом. Получив подарок, Папа поблагодарил Рериха за дар и передал художнику и его семье свое Апостольское благословение. С 1933 года картина хранилась в апартаментах Папы, а после его смерти, согласно воле Пия XI, в 1940 году её передали в Музеи Ватикана. В 1990‑е годы полотно временно экспонировали в Пресс‑службе Святого Престола — и, к сожалению, так и не вернули обратно. По данным директора Музеев Ватикана Барбары Йатты, около 1999 года картина была похищена. «К сожалению, должна Вас информировать, что картина так и не была возвращена Музеям, и, скорее всего, около 1999 г. она была похищена. Дирекцию Музеев Ватикана проинформировали о случившемся спустя большое количество времени, о чем я Вам с горечью сообщаю». (из письма Барбары Йатты, директора Музеев Ватикана, 2021 г.) 🗺️ Далёкое–близкое

Казимир МАЛЕВИЧ (1879–1935) «Белое на белом», 1918 🇺🇸 Музей современного искусства (MoMA) (США, Нью-Йорк) Техника: Холст, масло Размеры: 79,4 x 79,4 см Источник поступления: приобретена в 1935 году на средства из пожертвования миссис Джон Хей Уитни. Описание Эта картина, строгая по композиции, относится к числу самых радикальных произведений своего времени. Она стала своеобразным русским ответом белому японскому свитку. Но если белый свиток – это абсолютная пустота, живописный аналог того, что философы ХХ века называли НИЧТО, если свиток создан, чтобы способствовать полному растворению человека  в этой пустоте, то русская икона нового стиля «Белое на белом» втягивает воспринимающего человека в созерцание ДВИЖЕНИЯ  этой бездны, она убеждает, что бесконечность – это живая субстанции, меняющаяся на глазах.  Как художник добивается этого?  С одной стороны, композиционными средствами, понимая законы восприятия.  Поскольку сознание  воспринимающего человека мощнее его текущего восприятия, оно стремится исправить=изменить положение криво висящей или падающей геометрической фигуры.  Малевич «подвесил» свой ассиметричный белый квадрат так, что он создает впечатление медленного падения – он словно плывёт в безграничном космосе. Глаз воспринимающего непроизвольно стремится поправить и само положение фигуры, и ее неточные контуры, что только укрепляет иллюзию движения. С другой стороны, художник «помогает» нам, используя свои живописные возможности. След его кисти виден в красочной поверхности холста: в текстуре краски и тонких вариациях белого цвета. Всё вместе: нарушение устойчивости композиции, искривление формы квадрата и вибрации белого цвета разных оттенков – создают ощущение бесконечного пространства, но не пустого, а движущегося и живого. «Я прорвал синий абажур цветных ограничений, вышел в белое, за мной, товарищи авиаторы, плывите в бездну, я установил семафоры супрематизма. Я победил подкладку цветного неба, сорвал и в образовавшийся мешок вложил цвета и завязал узлом. Плывите! Белая свободная бездна, бесконечность перед вами». (К. Малевич, из каталога десятой государственной выставки «Беспредметное творчество и супрематизм», 1919) 🗺️ Далёкое–близкое

Филипп Малявин (1869–1940) «Крик», 1925 г. 🇨🇿 Национальная галерея Праги (Чехия, Прага) Техника: Масло на холсте Размеры: 150 × 205 см Источник поступления: приобретена Министерством просвещения Чехословакии в 1928 г. В настоящее время не экспонируется ⚓ Провенанс 1928: приобретена Министерством просвещения Чехословакии у автора Описание Осенью 1922 года Малявин прибыл в Берлин, где несколько его картин экспонировались на «Первой Русской художественной выставке». После выставки за границей в Россию художник уже не вернулся и обосновался в Париже. Так и не приняв культуры второй родины, художник продолжал эксплуатировать в различных вариациях сюжеты на русские мотивы, некогда сделавшие его знаменитым. Такие сюжетные и композиционные повторения художник использует и в картине «Крик», написанной им в 1925 году в Ницце. На выставке русских художников в 1928 года в Праге эта работа была продана Министерству просвещения Чехословакии. «Малюет он и сейчас неплохо, да только все его сарафаны полиняли, а бабы сделались какими-то тощими, с постными лицами… Видно, его сможет освежить только воздух родных полей, и больше ничто.» (Ф. Шаляпин о Ф. Малявине) 🗺️ Далёкое–близкое

Александр МАКОВСКИЙ (1869–1924) «Урожай», 1896 🇲🇨 Национальный музей (Варшава, Польша) Техника: Холст, масло Размеры: 27 × 42 см Подпись: внизу слева: А. Маковский 1896 год Описание Александр Маковский родился в богато одарённой талантами семье. Его отец, Владимир Егорович Маковский, был выдающимся русским художником‑передвижником, действительным членом Императорской Академии художеств; дяди — Константин Егорович Маковский и Николай Егорович Маковский — известные русские живописцы; дед, Егор Иванович Маковский, — коллекционер произведений искусства, один из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Александру самой судьбой было предначертано связать свою жизнь с искусством. Вернувшись в 1994 году в Россию после обучения в Париже и окончив в 1895 году курсы у Ильи Репина в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при Императорской Академии художеств, он пишет «Урожай» — маленькую по размеру картину не о страданиях униженных и оскорблённых, а о взгляде прохожего, который не прочь ненадолго остановиться и полюбоваться заинтересовавшей его сценкой, но вряд ли станет в ней активно участвовать. «Вот из всего вместе и выходят такие жалкие выставки в Академии, как нынешняя. Ни физиономии, ни характера у них нет. Сравнительно говоря, значительно лучше других, и даже очень отделяются от них… портреты А. В. Маковского и несколько его маленьких очень милых пейзажей-этюдов…» (В. В. Стасов, стать статьи «Выставки», 1897) 🗺️ Далёкое–близкое

Василий ПУКИРЕВ (1832–1890) «Прерванное венчание (Двоеженец)», 1877 🇦🇿 Азербайджанский национальный музей искусств (Баку, Азербайджан) Техника: Холст, масло Размеры: 178 × 150 см Описание Проблема несчастных замужеств (девушек из бедных семей, выданных замуж помимо их воли за обеспеченных женихов; девушек из богатых купеческих семей, выданных замуж насильно ради приобретения титула; девушек, спасающих своих обедневших родителей и выходящих замуж за богатых стариков-вдовцов) волновало и русское, и европейское общество на протяжении 50 лет: с середины 19 и до начала 20 века. Русские художники (Павел Федотов, Адриан Волков, Фирс Журавлев, Илларион Прянишников, Владимир Маковский и Василий Пукирев) неоднократно обращались к подобным драматическим событиям и сюжетам. И написанные ими картины всегда находили живой отклик у публики. Василий Пукирёв создал культовую картину «Неравный брак», настолько популярную у современников, что ему пришлось даже сделать её авторское повторение, что называется «точь-в-точь». В картине «Прерванное обручение. Двоежёнец» художник вновь приводит своего зрителя в церковь – и прямо на обряд венчания, который неожиданно прерывается после вопроса, который традиционно задает священник, проводящий обряд: «Нет ли каких-либо обстоятельств, мешающих совершению таинства?» Как раз в этот момент появляется женщина, одетая почти траурно, и говорит о том, что она — законная жена человека, который собирается обвенчаться. Художник, конечно, показывает нам эффектный обморок невесты – прекрасного молодого создания в дорогом воздушно-кружевном подвенечном платье. То, насколько этот день важен для нее, видно по тому, как тщательно продуман ее наряд. И само сложно сконструированное платье, и веточка флёрдоранжа, прикрепленная к корсажу, и фата, украшеннная флёрдоранжем; и бусы (двойная нитка крупного жемчуга), и браслетик на запястье – всё в пандан платью, всё очень красиво. Её, потерявшую сознание от ужаса происходящего, подхватывают молодые люди – гости. Свеча выпала из ее рук и погасла. И вот здесь начинается самое интересное. Жених не бросается к невесте, он будто и не замечает ее обморока, он стоит, как каменный, скорбно опустив голову, и продолжает держать в руках горящую свечу. Почти в такой же позе, опустив в отчаянии голову, чуть впереди его, стоит его законная жена. И … тут становится очевидно: вот она - пара! Они – единое целое: не только в радости, но и в боли, и в публичном скандале, и в том позоре, который их теперь тесно связывает друг с другом. → О картине В. Пукерева «Неравный брак» 🗺️ Далёкое–близкое

Алексей Явленский (1864–1941) «Натюрморт с бутылками и фруктами», 1900 🇺🇸 Национальная галерея искусства (США, Вашингтон) Техника: Холст, масло Размеры: 48 x 49,2см Источник поступления: дар Бенджамина и Лилиан Герцберг, 2004 Подпись: внизу слева: a. jawlensky; вверху слева на обороте: № 11 Описание Явленский вместе с Василием Кандинским, Паулем Клее и Лионелом Фейнингером основал в 1924 году объединение «Синяя четвёрка», которое стало идейным преемником знаменитого объединения «Синий всадник» (1911 год), распавшегося после Первой мировой войны. В 1937 году 72 работы Явленского были конфискованы нацистами как «дегенеративное искусство». «Главным „модником“ был Алексей Георгиевич Явленский – офицер, вышедший в отставку в чине штабс-капитана. Когда-то он увлекался Репиным, позднее Серовым и Коровиным, а затем „специализировался“ только на иностранцах. Сам он был очень талантлив, прекрасно чувствовал цвет, силуэт, ритм, до иллюзии перенимая у своего сегодняшнего бога все его внешние признаки – манеру, мазок, фактуру, но не углубляясь в его внутреннюю, затаенную сущность. Он быстро воспламенялся и в увлечении не в силах был формулировать своих мыслей и ощущений, непрерывно ахая и охая, причмокивая, щелкая пальцами, не находя нужных слов, неистово жестикулируя». (И. Грабарь. Моя жизнь) 🗺️ Далёкое–близкое

Кустодиев Борис Михайлович (1878—1927) Семья профессора Б. К. Поленова, 1903 🇦🇹 Австрийская галерея Бельведер (Австрия, Вена) Техника: Холст, масло Размеры: 200×175 см Источник поступления: приобретено Художественным музеем Бельведер в 1908 г. ⚓ Провенанс  1908: приобретено на  выставке русских художников в Вене правительством Австрии 1908: атрибутирована в Австрийской галереи Бельведер Описание Борис Константинович Поленов — русский геолог, первый декан физико-математического факультета и проректор Пермского университета. Портрет написан в усадьбе Поленовых в деревне Маурино Костромской губернии: жена Бориса Кустодиева Юлия выросла по соседству с усадьбой Поленовых. В Маурино располагалась усадьба Кустодиевых «Терем». «Все наше детство и жизнь в „Тереме" связаны с семьей Поленовых, их домом. Моя мать любила у них бывать и с бесконечным уважением относилась к их памяти. А брат мой Кирилл даже обязан спасением жизни Марии Федоровне Поленовой. Когда я родилась, Киру отправили в дом к Поленовым на попечение Марии Федоровны. Кирилл сидит за столом, завтракает. На столе яйцо. В одно мгновение Кира хватает яйцо и все целиком, со скорлупой, засовывает в рот. Яйцо застревает у него в горле, и он задыхается, весь посинев. Мария Федоровна не растерялась, схватила его за ноги и сильно встряхнула вниз головой. Яйцо выскочило, и Кира, спасенный, заорал во все горло». (из воспоминаний дочери, И. Б. Кустодиевой) 🗺️ Далёкое–близкое

Иван Айвазовский (1817–1900) «Автопортрет», 1874 🇮🇹 Галерея Уффици (Флоренция, Италия) Техника: Холст, масло Размеры: 70,5 х 62,5 см Источник поступления: заказ Флорентийской академии художеств для галереи Уффици Подпись: справа внизу: Aiwasowskij 1874 Описание В начале 1873-го во Флоренции состоялась выставка картин Айвазовского, вызвавшая восторженные отзывы у зрителей и художников. После выставки художник получил приглашение от флорентийской галереи Уффици пополнить её коллекцию портретов именитых мастеров. Айвазовский стал вторым русских художником (после О.А. Кипренского), удостоенным чести представить свой автопортрет в палаццо Питти, где собраны портреты знаменитейших художников с эпохи Возрождения.  “...профессора флорентийской Академии сообщили Ивану Константиновичу, что, по уставам Академии, он, как высокоталантливый иностранный художник, должен написать свой портрет для помещения в галерею” (из писем М. Железнова, 1874 г.) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай РЕРИХ (1874–1947) «Священные Гималаи (Vyasakund)», 1933 🇮🇳 Аллахабадский муниципальный музей (Индия, Праяградж) Техника: Холст, темпера Размеры: 46,5 х 79,5 см Подпись: внизу справа: подпись монограммой Описание Гималаи для Николая Рериха были не просто горной грядой на карте мира, а важнейшей частью жизненного и творческого пути: в этих краях он провёл треть жизни, занимался научной и просветительской деятельностью — в частности, основал университет и курировал исследовательские проекты. «Полная арктическая тишина. Глетчеры и снеговые пики — красивейшее место. Волны облаков перекатываются и открывают новые, бесконечно новые комбинации космического строительства. Широкие линии, весь орнамент и арабеск сброшен.... Вот красиво! Горы розовеют. Поднимаются лиловые туманы». (Н. Рерих. Алтай-Гималаи) 🗺️ Далёкое–близкое

Николай ГЕ (1831—1894) «Распятие» (Le Calvaire), 1883—1894 🇫🇷 Музей Орсе (Франция, Париж) Техника: Холст, масло Размеры: 280 × 225 см Источник поступления: дар Николай Ге (младшего) в 1903 г. ⚓ Провенанс ?-1903: Коллекция Николай Ге - сына художника 1903: передано в дар от Н. Ге в Люксембургский музей. 1903-1922: Люксембургский музей 1922-1924: Государственный департамент Франции 1924-? : Церковь Сен-Пьер-де-Шайо, Париж ?-1980 : Музей Шайо, Париж 1982: консервация в Национальном музее современного искусства 1982, музей Орсе, Париж Описание Картина являлась заключительной частью «Страстного цикла» и была показана на 22-й выставке Товарищества передвижников, проходившей весной 1894 года сначала в Санкт-Петербурге, а потом в Москве. Она была резко раскритикована Святейшим Синодом, запрещена к публичному показу и поэтому снята с выставки. Известно, что в день открытия выставки президент Академии художеств великий князь Владимир Александрович, посмотрев на «Распятие», сказал про него: «Это бойня!» Летом этого же 1894 года Николай Ге умер. Лев Толстой, тяжело переживавший смерть любимого художника, написал письмо Павлу Третьякову, где советует приобрести все оставшиеся работы Ге, включая «Распятие», чтобы «национальная русская галерея не лишилась произведений своего самого лучшего живописца с тех пор, как существует русская живопись». Третьяков подробно и деликатно обосновывает свой отказ. Несмотря на это, сын Николая Ге все-таки приносит последние картины отца в дар музею. Однако данное «Распятие» в числе других работ выставлять в галерее не разрешили, и они были возвращены сыну художника. «То, что картину сняли, и то, что про неё говорили, – … очень поучительно. В особенности слова: «это бойня». /Люди хотят/, «чтобы была представлена казнь… но чтобы на нее было так же приятно смотреть, как на цветочки… Христианство сделали домашним, карманным … и в таком виде люди приняли его… привыкли к нему, на нем устроились и успокоились. И вдруг оно начинает развертываться во всем своем громадном, ужасающем для них, разрушающем все их устройство, значении! … Сама история жизни и смерти вдруг получает свое настоящее, обличающее людей значение, и они ужасаются. Снятие с выставки – ваше торжество». (Из письма Льва Толстого Николаю Ге) «Я был ею (картиной) так поражён, как немногими художественными произведениями во всю мою жизнь. /.../ Это первое «Распятие» в мире... из всех существующих во всём художестве». (Владимир Стасов, «Николай Николаевич Ге, его жизнь, произведения и переписка», 1904). 🗺️ Далёкое–близкое

Василий КАНДИНСКИЙ (1866–1944) «Мурнау. Деревенская улица», 1908 🇨🇭 Художественный музей Цюриха (Цюрих, Швейцария) Техника: Картон, масло Размеры: 18,9 × 27,4 см Источник поступления: Коллекция Габриэли и Вернера Мерцбахеров, передана в постоянную аренду Кунстхаусу Цюриха. Подпись: внизу справа: Kandinsky Описание В 1908 году Кандинский и его ученица и компаньон Габриэль Мюнтер переехали в городок Мурнау в Баварии, где он начал писать серию пейзажей, вдохновившись находившимся неподалеку озером Штаффельзее и окружающими его горами. Для Кандинского это был двухлетний период экспрессионизма – использования интенсивного обобщенного цвета и постепенного отказа от предметности. Именно в Мурнау Кандинский начнет разрабатывать свою новую теорию «духовного» искусства – чтобы в результате полного ухода от изображения реальных предметов, заменяя их эмоциональными комбинациями линий и цветовых пятен, выразить сущность мира – его «духовные вибрации». В 1910 году в Мурнау родится беспредметное искусство – абстракционизм: родится и в виде живописных произведений, и в виде его обоснования в теоретических работах. «…десять взглядов на холст, один на палитру, полвзгляда на натуру». (В. Кандинский, «Точка и линия на плоскости. О духовном в искусстве») 🗺️ Далёкое–близкое

Василий Пукирев (1832–1890) «Неравный брак», 1875 🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республика Беларусь,  Минск) Техника: Холст, масло Размеры: 174×137 см Источник поступления: приобретена в 1948 г. Описание Картина – точное авторское повторение работы 1962 г. (ГТГ, Москва), написанное Пукиревым спустя 13 лет. В Национальный художественный музей Беларуси холст попал уже после Великой Отечественной войны стараниями его директора Елены Аладовой. «"Неравный брак" – украшение нашей коллекции. Отличия от первозданного варианта самые минимальные. Так, на полотне в Третьяковке мы видим резкую светотень, которая детальнее отражает фелонь священника, расшитую золотом. На нашей же картине игра света более мягкая». (из интервью с научным сотрудником Национального художественного музея Беларуси Д. Солодким) Картина вызвала ажиотаж сразу, как только ее разместили на выставке в Академии художеств. За эту работу автор был удостоен звания «профессора живописи народных сцен» Академии художеств.  Картина уникальна, в том числе и своими размерами: персонажи изображены почти в натуральную величину. «Говорят, что "Неравный брак" Пукирева испортил много крови не одному старому генералу, а Н. И. Костомаров, увидав картину, взял назад свое намерение жениться на молодой особе». (И. Репин, «Далекое и близкое») → О том почему художники создавали реплики своих картин 🗺️ Далёкое–близкое | Подписаться

Марк ШАГАЛ (1887–1985) «День рождения», 1915  🇺🇸 Музей современного искусства (США, Нью-Йорк) Техника: Картон, масло Размеры: 81 × 100 см Источник поступления: приобретено по завещанию Лилли П. Блисс, 1949 В настоящее время не экспонируется ⚓ Провенанс до 1925: Принадлежала художнику, затем была куплена американским галеристом Сэмом Зальцем, Нью-Йорк; 1925: Приобретена Генрихом Кирхгофом, Висбаден у Сэма Зальца, Кёльн 1925-1934: принадлежит Генриху Кирхгофу (Антонию Кирхгофу), Висбаден 1935: приобретена Куртом Фельдхауссером, Берлин 1935-1945: принадлежит Курту Фельдхауссеру, Берлин 1945: передана по наследству Мари Л. Фельдхауссер, его матерью, Бруклин 1949: продана через галерею Вейхе, Нью-Йорк, Музею современного искусства, Нью-Йорк (приобретена по завещанию Лилли П. Блисс) Описание Картина была написана в Витебске, всего за несколько недель до свадьбы Марка и Беллы Розенфельд – первой жены и музы художника. Работу над картиной Шагал начал в свой день рождения, 1 июля 1915 года (в 28 лет), когда Белла пришла с букетом цветов поздравить его. «Сегодня твой день рождения! Стой, не двигайся... Я всё ещё держала цветы... Ты так и набросился на холст, он, бедный, задрожал у тебя под рукой... Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой, как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке... Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком. Вот запрокинул голову и повернул к себе мою. Вот коснулся губами моего уха и шепчешь... И вот мы оба, в унисон, медленно воспаряем в разукрашенной комнате, взлетаем вверх. Нам хочется на волю, сквозь оконные стекла. Там синее небо, облака зовут нас». (Белла Розенфельд, «Горящие огни») 🗺️ Далёкое–близкое

Орест КИПРЕНСКИЙ (1783–1836) «Автопортрет», 1820 🇮🇹 Галерея Уффици (Флоренция, Италия) Техника: Холст, масло Размеры: 58 × 51,5 см Источник поступления: заказ Флорентийской академии художеств для галереи Уффици, 1820 Описание В мае 1816 года Орест Кипренский отправился в пенсионерскую поездку, по личной протекции и спонсированию императрицы Елизаветы Алексеевны. Во время своего пребывания в Италии Кипренский удостоился высокой награды – предложения от Флорентийской академии написать собственный портрет для знаменитой галереи Уффици, в котором были собраны автопортреты известных художников мира. Такой чести Орест Кипренский удостоился первым из русских мастеров. “При виде творений гениев рождается смелость, которая в одно мгновение заменяет несколько лет опытности”. (из писем О. Кипренского) 🗺️ Далёкое–близкое

Константин Сомов (1869–1939) «Дама в вуали (Манон Леско)», 1928.  🇦🇷 Национальный музей декоративных искусств (Аргентина, Буэнос-Айрес) Техника: Карандаш и акварель Размеры: 12,5 х 9,5 см Источник поступления: дар графини Росарио Джулия Шиффнер де Лареха Зубовой Надпись: внизу справа: C. Somov, 1928 На обороте фрагмент шутливой цитаты, написанной рукой автора, из «Истории рыцаря Гриё и Манон Леско». Описание В 1927 году во Франции была издана книга «История кавалера де Грие и Манон Леско», проиллюстрированная 14 акварелями Константина Сомова, которые автор считал своими лучшими графическими работами.  «Сегодня я был в одном издательстве роскошной книги editeur Trianon – на днях ко мне приходил секретарь оттуда с предложением иллюстрировать в красках роскошное издание “Манон Леско”. Прислал мне его Шура Бенуа, который тоже участвует у них для других книг. Гонорар оказался очень скромный, но я считаю, что было бы неблагоразумно спорить и ставить свои условия. Если книга мне удастся, она даст мне имя и успех для будущего. Меня пугает такой avalanche [лавина – франц.] заказов на меня – боюсь не справиться, боюсь провалиться. Потому нервничаю. Но с другой стороны, я должен радоваться».(из письма сестре, 15 февраля 1926 г.) 🗺️ Далёкое–близкое

Михаил ЛАРИОНОВ (1881–1964) «Ноктюрн», ок. 1913–14 гг. 🇬🇧 Британская галерея Тейт (Великобритания, Лондон) Техника: Холст, масло Размеры: 50 × 61 см Источник поступления: дар Евгения Молло в 1953 Подпись: внизу слева «МЛ 1910»; на обратной стороне «М. Ларионов | "Ноктюрн" | 1910 г | Лучизм | Трехпрудный | 2 | 7 | Москва» В настоящее время не экспонируется ⚓ Провенанс ???: приобретено Евгением Молло у М. Ларионова. 1953: дар Евгения Молло Британской галереи Тейт. Описание «Эта картина вдохновлена ​​сумерками в Одессе. Она представляет собой проблему сочетания лестниц, интерьеров и экстерьеров домов и отражает давление темных тонов на полусветлые — конфликт цветов, если хотите. Проблема этой картины заключается в организации этих тонов в определенном порядке. Это конфликт полусветлых лучей с темными лучами». (из письма М. Ларионова, 12 января 1954) Евгений Молло (1904–1985) — график, военный историк и коллекционер. Сын греческого подданного, который приехал в Россию в качестве представителя парижской торговой конторы. После развода родителей жил с отцом в Петербурге. Добровольцем участвовал в Гражданской войне. В 1924 году переехал в Лондон к отцу. Окончив Королевский художественный колледж, Евгений занимался живописью и сценографией, в том числе для Русского балета С. П. Дягилева (создал театральные эскизы к спектаклям «Медный всадник», «Борис Годунов», «Жар‑птица»). В 1931 году открыл фирму по оформлению интерьеров, разработал и запатентовал метод переноса фотоизображений на тканевые поверхности. После войны занялся живописью и на выставке в Париже познакомился с Н. Гончаровой и М. Ларионовым. Именно в этот период он приобрёл у них несколько работ, которые позже передал в лондонскую галерею Тейт. Молло создал уникальную коллекцию предметов русской военной истории, включающую картины и гравюры, на которых запечатлены подвиги русской армии, портреты полководцев, образцы обмундирования, ордена. С 1956 года он часто посещал СССР как эксперт советских военных музеев. В издательстве журнала «Военная быль» вышли книги Молло: «Русское холодное оружие девятнадцатого века» (1962), «Русское холодное оружие эпохи императора Николая II» (1964), «Русские офицерские знаки» (1965), «Русские орденские знаки XVIII в.» (1968). 🗺️ Далёкое–близкое

Василий Верещагин (1842–1904) Наполеон в храме, 1890  🇨🇿 Галерея изящных искусств в Остраве (Острава, Чехия) Техника: Масло на холсте Размеры: 32 x 23 см Описание “Под массивным сводом православного храма стоят четыре фигуры в военной форме той эпохи. Ближе всего к ним — Наполеон, с поднятой головой. Картина входит в серию картин, посвященных Отечественной войне 1812 года, созданную в 1887-1900 годах.” (Из описания картины сотрудниками самой галереи) В этой картине отсутствует та жанровость, которая присуща другим работам этой серии, где есть изображение коней в Успенском соборе (главном храме Московского Кремля, который был превращен в конюшни); где гвардейцы срывают иконы с иконостаса. Здесь есть главное: несоизмеримость грандиозной по размерам и величию православной святыни и крошечных фигурок завоевателей, включая фигурку самого Наполеона. “Передо мною, как перед художником, Война, и ее я бью, сколько у меня есть сил…” (из письма В. Верещагина к П. Третьякову) 🗺️ Далёкое–близкое

Архип КУИНДЖИ (1842–1910) «Красный закат», 1905–1908 🇺🇸 Метрополитен-музей (США, Нью-Йорк) Техника: Холст, масло Размеры: 134,6 x 188 см Источник поступления: дар Фонда Роджерса, 1974 ⚓ Провенанс  1910; завещана художником Обществу художников имени А. И. Куинджи, Москва 1916: продана за 22 500 рублей К. Дембовскому 1918: приобретена на аукционе Петром Третьяковым, Нью-Йорк 1974: приобретена Фондом Роджерса для Метрополитен-музея Описание Архип Куинджи, известный своими мистическими пейзажами со светящейся лунной дорожкой в водах Днепра, интересовался и отражениями солнечного света в речной глади. Особенно его волновали закаты. Данный пейзаж подтверждает репутацию Куинджи как художника – создателя эффектных световых впечатлений. Заходящее над Днепром солнце, прорвавшись сквозь единственное на ясном небе большое кучевое облако, невольно превращает его в темную грозовую тучу, одновременно с этим окрашивая и водную гладь, и берег ровным красным светом. Опираясь на присущий ему декоративный дар, художник обобщает реальное пейзажное впечатление, преобразуя объёмное облако в силуэт, чем добивается особой выразительности. Стремление Куинджи к упрощению форм, к плоскостности и декоративности цветовой палитры оказало влияние на художников русского авангарда XX века, в частности, на Николая Рериха, который учился в его пейзажной мастерской. «Зато в центральной картине «солнечного цикла» — в «Красном закате» — Куинджи предстает солнцепоклонником. В элегических закатных мотивах художник кажется угомоненным язычником. Полыхание красок расплавленного солнца, залившего мир напряженным цветом, тем не менее, создает впечатление если не умиротворения, то лирического созерцания мощного дневного светила, смиряемого силами приближающейся ночи. «Красный закат» плотно сомкнулся с фольклорными представлениями, где «красное солнышко» понимается как источник жизни и красоты». (В. Манин, “Архип Куинджи”) 🗺️ Далёкое–близкое

Иван Айвазовский (1817–1900) «Сошествие Ноя с горы Арарат», 1889 🇦🇲 Национальная картинная галерея Армении, (Армения, Ереван) Техника: Масло на холсте Размеры: 128 × 218 см Источник поступления: дар М. Сарьяна, 1921 Подпись: справа внизу: Aiwasowskij 1889 ⚓ Провенанс  до 1921: дар автора художественной школе в Новом Нахичеване (ныне Ростов-на-Дону) 1921: дар Мартироса Сарьяна Национальной галерее Армении Описание Библейская гора Арарат – символ спасения человечества от Всемирного потопа и начала новой эры жизни на Земле, – стала символом Армении. Айвазовский писал эту гору не менее десяти раз. «Сошествие Ноя с горы Арарат» он впервые выставил в Париже. Впоследствии Айвазовский подарил полотно новонахичеванской художественной школе.  В период гражданской войны эту и другие картины из разрушенной школы спас Мартирос Сарьян, некогда учившийся в этой школе.  В 1921 году в числе собранных им произведений армянского искусства он привез картину в Ереван. «Какую бы ужасную бурю ни увидели мы на его картине, в верхней части полотна сквозь скопление грозных туч всегда будет пробиваться луч света, пусть тоненький и слабый, но возвещающий спасение. Именно веру в этот Свет пронес через века породивший Айвазовского народ. Именно в нем, этом Свете, и заключен смысл всех изображенных Айвазовским бурь». (из беседы М. Сарьяна с И. Эренбургом) 🗺️ Далёкое–близкое | Подписаться

Василий Кандинский (1866–1944) «Композиции 4» (Komposition IV), 1911 🇩🇪 Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия (Германия, Дюссельдорф) Техника: Масляная краска на холсте Размеры: 159,5 × 250,5 см Источник: дар от Западногерманской радиовещательной компании в 1965 г Подпись: Надпись на обороте: «КАНДИНСКИЙ 1911»; оборотная сторона: «ВК, Композиция 4, № 125, 1911» ⚓ Провенанс 1911 – 1944: Василий Кандинский, Мюнхен 1944 – 1965: Нина Кандински, Нёйи-сюр-Сен с 1965: Коллекция произведений искусства Северного Рейна-Вестфалии, Дюссельдорф Описание Картина повторяет своей левой частью картину «Казаки» (1910), которая сейчас находится в Британской галерее Тейт (Великобритания, Лондон). Полотно создано в период жизни мастера в Мурнау-ам-Штаффельзе. Согласно легенде, Кандинский вышел из дома на прогулку, а его помощница и многолетняя любовь Габриель Мюнтер по незнанию перевернула картину, когда та стояла на мольберте. Когда художник вернулся, он посмотрел на картину и заплакал от радости, увидев, как она прекрасна. “Цвет — это средство непосредственного воздействия на душу. Цвет — это клавиатура. Глаз — это молоток, а душа — струнный фортепьяно. Художник — это рука, посредством которой посредничество различных ключей заставляет человеческую душу вибрировать...” (В. Кандинский. О духовном в искусстве, 1911) → О том, где находится левая часть этой картины – «Казаки» 🗺️ Далёкое–близкое